Reseña de «La Casa de las Flores» – Temporada 3 (Netflix, 2020)

La última temporada de esta serie mexicana se estrenó el pasado 23 de abril en Netflix.

ADVERTENCIA: ¡Contiene spoilers!

Desde que se anunció que Manolo Caro iba realizar una serie para Netflix me emocioné porque me han gustado sus películas como No sé si cortarme las venas o dejármelas largas y La vida inmoral de la pareja ideal. Llegó el 2018 y por fin se estrenó la tan esperada serie llamada La casa de las flores, protagonizada por Verónica Castro, Cecilia Suárez, Aislinn Derbez y Darío Yazbek. La primera temporada, que fue reseñada por Carlos, era un propuesta fresca y divertida con frases icónicas como «Olvidé cancelar el mariachi» y «Me saludas al Cacas» y varias escenas memorables al ritmo de la música.

La serie fue renovada para dos temporadas más, pero Verónica Castro solo había firmado para una temporada y al no llegar a un acuerdo con la producción abandonó el proyecto, por lo cual mataron a su personaje y cambió por completo la historia haciendo que la segunda entrega fuera terrible al ser aburrida, con personajes de relleno (como el de Jenny Quetzal, interpretado por Mariana Treviño) en un intento por salvar la serie y que todo lo que se había construido con la primera se viniera abajo.

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Cuando terminé de ver la segunda temporada me quedé con un mal sabor de boca y decepcionado de lo que acababa de ver porque todo lo que había hecho Manolo Caro siempre me había parecido divertido y esto era totalmente lo contrario. En el final apareció Victoria, madre de Virginia de la Mora, y pensé que quizás esto haría la tercera temporada más interesante en su intento por levantar el evento.

La tercera y última temporada llegó a Netflix el pasado 23 de abril y como estamos en cuarentena debido a la pandemia del COVID-19, me la devoré ese mismo día. Tengo que confesar que no tenía muchas ganas de verla pero era más mi morbo de saber cómo iba terminar la serie, así que lo hice. En los 11 capítulos que componen esta última entrega, fuimos testigos de un viaje al pasado, ya que hay muchos flashbacks de la vida de Virginia de la Mora cuando era joven, la relación con su madre Victoria (Isela Vega) y cómo terminó casándose con Ernesto de la Mora.

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Realmente no tenía muchas expectativas con esta temporada final y la verdad es que no me gustó pero al menos no fue tan terrible como su antecesora. Al personaje de Jenny Quetzal le habían dado mucha importancia, inclusive estaba en la pintura que aparecía en el intro de la segunda temporada y en esta última apareció un par de capítulos y de repente de la nada su personaje desapareció, supuestamente por la gran venida de la secta de la que formaba parte pero se me hizo muy decepcionante la manera tan fácil de finalizar su participación en la trama.

A esto también nos encontramos con varios personajes nuevos que lo único que hacen es alargar la historia de varios de los principales para mantener los 11 capítulos. Tuve un gran problema con la historia del pasado porque se notaba el esfuerzo de crear plot twists innecesarios como el de que el verdadero papá de Paulina no era el Dr. Salomón sino Patricio Lascurain, el amigo gay de Virginia de la Mora, o de que la abuela Victoria había asesinado a su esposo y había culpado a la Chiva de haberle robado un anillo para que esta no la delatara, o ese amor sorpresivo entre Ernesto de la Mora y Carmelita para darle un cierre a los personajes y que no terminaran solos.

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La verdad a mí en lo personal poco me interesaba saber del pasado de Virginia porque ese personaje ya estaba bien enterrado desde la temporada dos, en la que se habían encargado de evadirla. Me hubiera encantado ver más de los personajes del presente, los vivos, aunque fueran tan solo unos cuantos capítulos pero para hacer un final con la poca dignidad que le quedaba a la historia. Hubieron muchas cosas que también me disgustaron como la historia de Micaela, Bruno y Rosita que estaba de más, así como también el conflicto de Purificación con su hermana María José. Algo que sí no les perdono fue que Valentina no hiciera algún número musical drag y que pareciera más como parte de la escenografía.

Otra cosa que fue muy notoria fue su intento por recurrir a cosas que habían funcionado en la primera temporada como el chiste del mariachi o el número musical de Julián, esta vez vestido de drag queen. Bueno, ya voy a dejar de quejarme de las cosas que no me gustaron porque son varias, así que me enfocaré en lo que sí me gustó.

Algo que sí me agradó fue la historia de Diego con sus papás, el conflicto que tienen ellos por tener un hijo gay, la homofobia y tocar el tema de las terapias de conversión, las cuales me parecen escalofriantes. Me gustó que Paz Vega, Miguel Bosé y Pedrito Sola hicieran cameos y que Ximena Sariñana cantara «Cosas del Amor» muy a su estilo. No voy a negar que hubieron momentos en los que me reí pero la verdad es que no recuerdo cuáles fueron, quizás donde salían la Pau, Amanda y Yuri.

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Tristemente esto es lo que pasa en las series cuando algún actor protagonista sale del proyecto y todo se viene para abajo. Recuerdo que pasó con The O.C. que me encantaba en mi adolescencia y que la última temporada fue rara y sin una trama interesante. Lo mismo sucedió aquí, quizás si hubiera seguido Verónica Castro, las cosas serían completamente diferentes y habría terminado mucho mejor. Al menos hubo un final y no una cancelación por parte de Netflix, he leído que a muchos les pareció satisfactoria esta última temporada y el final de la historia, al menos hay gente que sí la disfruto.

No voy a dejar de ver lo que Manolo Caro tiene preparado, al contrario, voy a estar más al pendiente de lo que va sacar, estoy esperando con ansias el estreno de su miniserie Alguien tiene que morir, una producción de Netflix estelarizada por Cecilia Suárez, Alejandro Speitzer, Ester Expósito, Carlos Cuevas e Isaac Hernández, el famoso bailarín mexicano de ballet. Este drama se estrenará en algún momento de lo que resta de este año.

¿Ya viste La Casa de las Flores? ¿Qué te pareció la última temporada? Comparte tu opinión en los comentarios y no olvides seguirnos en nuestras redes sociales que encontrarás al final de esta página.

 

Opinión de las 9 nominadas a Mejor Película en los Óscar

¡No te pierdas hoy la ceremonia de premiación!

En colaboración con Carlos Martínez.

1917

1917

Artur: 1917 es una gran película por su aspecto técnico, más que por la historia. La sensación de creer que estás viendo una cinta filmada en una sola toma le añade puntos extra a la experiencia cinematográfica. La historia se sitúa en la Primera Guerra Mundial y se centra en dos soldados ingleses que deben entregar un mensaje urgente a un batallón para que cancelen su ataque planeado contra las fuerzas alemanas, ya que se trata de una emboscada. La incertidumbre de lo que les puede pasar a los protagonistas en su travesía y la carrera contra el tiempo, hacen que sea estresante de principio a fin. Destaco mucho los efectos especiales y la edición y mezcla de sonido, partes fundamentales en la cinta. También la dirección de Sam Mendes, quien ha dirigido cintas como Jarhead, Skyfall y Spectre. Es muy probable que esta cinta se lleve la estatuilla a Mejor Película, pero ya veremos porque todo puede suceder.

Parasite (Parásitos)

Parasite

Carlos: Parásitos es la película del cineasta surcoreano Bong Joon-Ho, quien en el 2013 estrenó El expreso del miedo, una película que contrasta la vida de los privilegiados y los miserables en una sociedad teniendo como escenario un enorme tren de mil vagones que representaba el mundo. Bong Joon-Ho continúa la comparación entre ricos y pobres, pero mientras en El expreso del miedo hace hincapié en que los ricos cimientan su riqueza en el trabajo de la clase trabajadora, en Parásitos realiza una crítica a los comportamientos y hábitos de las personas que pueden observarse en estratos sociales extremos debido a las circunstancias que atraviesan. En este filme los ricos no son los malos, ni los pobres los buenos, ni viceversa. Creo que lo que la hace tan buena es la mirada crítica en temas como el comportamiento humano, el éxito profesional o la honestidad. Es una película imperdible que te divierte, emociona, te deja helado y sobre todo te deja pensando.

Little Women (Mujercitas)

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Artur:  Mujercitas es otra adaptación de la novela escrita por Louisa May Alcott en 1868, pero lo que la hace diferente es que tiene algunas actualizaciones a nuestros tiempos, a pesar de no estar situada en la época moderna. El empoderamiento femenino es el tema central de la cinta y el respeto de las decisiones y aspiraciones. Las actuaciones de todo el elenco son muy buenas, en especial Florence Pugh interpretando a Amy, el personaje que tradicionalmente era odiado pero que Pugh logró darle un toque diferente y volverlo más empático. Me hubiera dado mucha gracia que nominaran a Meryl Streep por los pocos minutos en los que sale, ya que siempre la nominan en los Óscar. Y bueno, Timothée Chalamet ufffff ❤

Joker (Guasón)

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Carlos: Guasón no es mejor que la mayoría de las películas nominadas en esta categoría, ni deja un mejor mensaje, pero a mí sí me hizo mucha gracia el final. No me tomo tan en serio las críticas a la película porque yo soy de los que opinan que esta historia nunca pasó. Interpreto este filme como una de las muchas historias que puede contar el Joker sobre su origen y encuentro ésta particularmente fresca, pues se arriesga en una dirección que rompe con lo que amábamos del Joker de Heath Ledger y que también podemos amar, pues Joaquin Phoenix lo hace fenomenal como siempre.

Once Upon a Time in Hollywood (Había una vez en Hollywood)

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Artur: Había una vez en Hollywood es la novena película de Quentin Tarantino y se centra en la historia del actor Rick Dalton y su doble Cliff Booth, con una subtrama sobre el asesinato de Sharon Tate a manos de la secta de Charles Manson, el cual ha sido uno de los peores en la historia. Esta cinta es un evidente homenaje al Hollywood de los años sesenta y el final que todos hubiéramos querido que tuviera Sharon Tate, que sobreviviera. Leonardo DiCaprio logra una buena actuación, como lo ha venido haciendo en los últimos años, y Brad Pitt no lo hace nada mal. Honestamente esperaba que la película tuviera más del sello de Tarantino, ya saben, a lo que usualmente nos tiene acostumbrados en sus cintas como Kill Bill, Pulp Fiction o Django Sin Cadenas.

Marriage Story (Historia de un matrimonio)

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Carlos: Historia de un matrimonio está escrita y dirigida por Noah Baumbach, quien debió llamarla «Historia de un divorcio», pues la película retrata el doloroso y tedioso proceso de separación que atraviesa una pareja para poner fin a su matrimonio en los términos que a cada uno convienen, mientras reflexiona sobre temas como el apoyo y comunicación entre parejas, la realización profesional o el papel que juegan los niños en dicho proceso. Este filme no necesita una fotografía impresionante o un diseño de producción elaborado, pues su corazón es su honesto guión y las maravillosas actuaciones de Adam Driver y Scarlett Johansson. Baumbach pone mucho de su vida personal en esta cinta y creo que definitivamente aprendió alguna que otra lección sobre las relaciones de pareja que nos transmite la película.

Jojo Rabbit

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Artur: Jojo Rabbit es la única comedia que compite en esta categoría y no creo que se lleve la estatuilla. Esta sátira se centra en un niño aleman que forma parte de las Juventudes Hitlerianas y tiene a Hitler como amigo imaginario. Lo que descubre es que en su casa vive una niña judía, a quien su madre escondió y conforme va avanzando la película, ambos van formando una gran amistad y descubre que los judíos no son realmente lo que los alemanes dicen que son. El filme me pareció muy divertido, pero lo que más me gustó fueron las actuaciones de los niños y la gran química que había entre ellos, nunca los había visto en ninguna otra producción. Sospecho que el premio que puede llevarse esta cinta sea el de Mejor Guión Adaptado, ya que está basada en el libro Caging Skies de Christine Leunens.

Ford v Ferrari (Contra lo imposible)

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Carlos: Contra lo imposible está basada en la rivalidad que existía entre Ford y Ferrari por ganar las 24 Horas de Le Mans en 1966 (una carrera de resistencia en Francia) y es dirigida por James Mangold, quien anteriormente fue elogiado por su trabajo en Logan. Pasadas las formalidades, comenzaré por decir que esta era la película que menos me apetecía ver y aunque siempre hay una de los Óscar en la que me duermo, sorpresivamente esta no lo fue. Las escenas de carreras son emocionantes y consiguen atrapar tu atención, no obstante, todo lo demás creo que solo le llama la atención a los viejos blancos de la Academia.

The Irishman (El irlandés)

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Artur: El irlandés es la última película sobre mafiosos del director Martin Scorsese, la cual fue estrenada en Netflix a finales del pasado mes de noviembre y tiene una duración de tres horas y media. Está basada en la historia real de Frank Sheeran, un asesino a sueldo que participó en el asesinato de Jimmy Hoffa, líder de la Hermandad Internacional de Camioneros. Era muy obvio que esta película iba estar nominada porque fue una de las grandes apuestas de Netflix para competir en esta temporada de premios. Mi problema con la cinta es su duración y la aparición de tantos personajes  que de repente me confundía. No soy amante de las películas sobre la mafia, aunque debo reconocer que me gustó mucho Los infiltrados, también de Scorsese, pero El irlandés se me hacía muy lenta en algunos momentos y tuve que verla en dos partes, quizás si la hubiera visto en el cine habría tenido más mi atención. Algo que sí destaco son las actuaciones de Robert DeNiro, Al Pacino y Joe Pesci, y el excelente trabajo para rejuvenecerlos. Pienso que esta cinta será la gran perdedora de la noche al no llevarse ninguna estatuilla.

No te pierdas hoy la ceremonia de los Premios Óscar a las 7 p.m.

SER GAY por personas de 20, 30 y 40 años

Con motivo del PRIDE, tres personas de diferentes décadas comparten cómo fue que se dieron cuenta que son gais.

El de 20

No puedo decir que siempre me consideré diferente, para mí lo único diferente que tenía de los otros niños es que ellos jugaban fútbol y yo prefería leer. El concepto de gay me fue difícil de aceptar. Crecí con la imagen del gay estereotipado que se mostraba en las películas, el hombre amanerado, artístico y fashionista, algo que no sentía que iba conmigo.

Aprendí que me gustaban los hombres en secundaria. Recién había salido la cuarta película de Harry Potter y, mientras mis compañeros hablaban de Hermione con el vestido rosa, yo no dejaba de pensar en ESA escena de Harry en la bañera. Por mucho tiempo tuve miedo a aceptarlo y lo rechacé hasta la universidad. Una vez ahí me encontré con varios hombres gais que no encajaban con el estereotipo que mostraban.

Dejé de tenerle miedo al que dirán y me enfoqué en ser yo de la manera más yo posible. Entendí que ser gay no es encajar en un estereotipo sino amar a quien quieres y ser y compartir la felicidad que eso ocasiona.

El de 30

Desde pequeño siempre supe que no era un niño como todos los demás. Me encantaban las espadas, las armaduras de Los Caballeros del Zodiaco y los carritos, pero también las muñecas. Al grado de que a los seis años le pedí a Santa un Ken y me lo trajo. Para mi mala suerte, a una de mis primas le trajo el mismo y esa navidad varios familiares me juzgaron por tener un juguete de niña.

El momento que definió y en el que supe que no era igual al resto de mis amigos y compañeros de la escuela, fue cuando comenzó a gustarme un niño de otro salón durante la primaria. Para mi lo “normal” era que a un niño le gustara una niña y viceversa, llegando a pensar que tenía algo malo. Me juntaba con niños en su mayoría, y el verlos que tenían novia ejercía una gran presión en mí porque no compartía ese mismo interés. Era tal mi preocupación de no entender lo que me pasaba que recurrí a mi mamá y le conté. Ella me dijo que yo no tenía nada malo y que en la naturaleza había también niños a los que les gustaban otros niños y niñas a las que les gustaban otras niñas, y que cuando fuera más grande lo iba entender mejor, y así fue. Dejé de juntarme con niños por la incomodidad de ser cuestionado del porqué no tenía novia y comencé a tener más amigas, continuando así por varios años hasta que dejé de darle importancia al asunto de la novia.

Cuando supe que Santa eran los papás, comprendí que mi mamá no me había reprimido desde antes de que le dijera, ella ya sabía que yo tenía gustos diferentes. Al ir creciendo conocí gente que era igual a mí, yo no era el único al que le gustaban los hombres. Eso me hizo sentirme parte de un grupo porque sabía que no estaba solo y teníamos que lidiar con las burlas o comentarios  negativos de alguno que otro compañero de la escuela.

Actualmente varios miembros de mi familia saben que soy gay, inclusive cuando le dije a mi abuelo su consejo fue que dejara que se me resbalaran todas las ofensas y eso es lo que hago, aunque a veces es difícil y llegan afectar un poco pero me recuerdo a mí mismo que lo que otra gente piense de mí no es mi problema.

El de 40

¿Cómo fue la primera vez que me di cuenta que era gay? Eso es complicado de explicar, considerando que soy un hombre de 40 años y cuando era niño esos términos no se usaban. Podías escuchar en tono de burla «pareces niña» o «te gustan los niños» y ya en plan rudo llamarte «maricón». Pero incluso esas palabras no tenían mucho sentido, en especial la última porque mi papá la usaba mucho cuando veía un partido de fútbol, manejaba o incluso cuando hablaba acerca de que su jefe no le había dado un permiso. Entonces asumí que era una forma de decir que eras débil, cobarde, injusto, malo, tonto, diferente; y en lo diferente, ahí sí podía encajar porque no me gustaba el fútbol, tampoco pelearme o ensuciarme; me gustaba bailar, quería una Barbie y un hornito de juguete, y esto sí sabía que me hacía distinto a otros niños, pero aún así yo no era niña ¿o sí? o ¿qué diablos era?

Hoy puedo entenderlo mejor, soy un hombre al que le gustan los hombres ¡y ya! eso es todo, porque aún sigue sin gustarme el futból, ensuciarme o pelear, igual que a muchos otros hombres. Me sigue gustando bailar y cocinar en un horno real y coleccionar muñecas, incluso ahora sé que a los hombres también les gustan las Barbies, pero de carne y hueso, jajaja.

Es complicado que aún ahora no encajo del todo en ciertas etiquetas de ser gay, como cuando me mandan mensajes preguntando mi opinión sobre unos zapatos de mujer, un vestido, maquillaje o peinado, y no tengo ni idea porque nunca he usado, o sea, claro que tengo opinión y sentido común pero, ¿acaso los demás no lo tienen? en especial las mujeres, entonces, tal vez no soy gay, o lo que los demás quieren que sea un gay, yo sólo sé que soy un hombre adulto de 40 años haciendo, amando y respetando lo que le gusta y lo que quiere, tal como me enseñaron en casa, en la escuela e incluso en la iglesia. Y que, además, estoy casado con otro hombre.

#PRIDE 

 

 

Reseña de «Captain Marvel» (2019)

El filme se convirtió en la cinta protagonizada por una mujer más taquillera en la historia del cine.

Spoiler Alert!

Este fin de semana se estrenó Captain Marvel (Capitana Marvel) en varias parte del mundo, logrando ser la de mejores ingresos en lo que va del 2019 y ser el filme más taquillero protagonizado por una mujer en la historia del cine. La película, dirigida por Anna Boden y Ryan Fleck, es la antesala para Avengers: Endgame que estrena el próximo 26 de abril.

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Los actores Jude Law y Brie Larson.

Captain Marvel muestra los orígenes de Carol Danvers (Brie Larson), una piloto de la fuerza aérea estadounidense que es mitad humana y mitad kree. Durante una misión es secuestrada por unos alienígenas de la raza skrull, quienes tienen la capacidad de transformar su aspecto en cualquier ser vivo. Ellos comienzan a extraer los recuerdos de Carol y dan con algunas pistas sobre su identidad. A pesar de todo, Carol no recordaba nada desde haber sufrido un accidente que la dejó moribunda y ser salvada por Yon-Rogg (Jude Law) de la raza kree. Pero gracias a los skrull comienza a tener noción de recuerdos sobre su vida en la Tierra, aunque piensa que son mentira.

Tras un enfrentamiento con los skrull en la nave y una evacuación inesperada, Carol llega a la Tierra. Ahí conoce a un joven agente llamado Nick Fury (Samuel L. Jackson), quien se convierte en su cómplice para detener a los skrulls mientras investigan sobre su pasado como terrícola en la fuerza aérea y la conexión que tiene con una doctora llamada Wendy Lawson.

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Carol Danvers y Nick Fury.

No es coincidencia que la cinta haya sido estrenada el Día Internacional de la Mujer, ya que es la primera película del Universo Cinematográfico Marvel en ser protagonizada por una heroína. De ahí que se tuvieran muchas expectativas sobre el mensaje feminista y la carga de empoderamiento que iba tener. No obstante, siento que se queda muy corta porque a pesar de que sí hay algunas escenas y diálogos, en mi opinión le faltó mucho más. Quizás una de las razones se deba a que la dirección corrió a cargo de una mujer y un hombre (Anna Boden y Ryan Fleck) y no solo de una mujer como el caso de Patty Jenkins con Wonder Woman (Mujer Maravilla) de DC Comics, la cual tiene un gran mensaje feminista con el que uno como espectador sale con un buen sabor de boca.

A pesar de eso, Captain Marvel lo intentó y se le agradece por las niñas y jóvenes que seguramente vieron la película y se quedaron con algo. Se podría decir que una de las escenas era como tipo Mulán, de que la heroína se caía de la cuerda y le decían que no iba a poder y que no lograría ser piloto, pero como vemos en el trailer, Carol se levanta una y otra vez para demostrarles lo contrario. Otra escena muestra al villano, interpretado por Jude Law, decirle a Capitana Marvel que es momento de que luchen sin poderes para que le demuestre lo fuerte que es y ella le dice que no le tiene que demostrar nada.

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Skrulls.

La cinta se sitúa en 1995 y por obvias razones tiene un diseño de producción referente a esa época como los edificios, el tren, el beeper, la camiseta de Nine Inch Nails de la protagonista, una tienda Blockbuster y por supuesto un Samuel L. Jackson rejuvenecido gracias a los efectos especiales y que nos remontó a su físico en la película Pulp Fiction. De todos estos elementos el que más me dio nostalgia fue el ya desaparecido Blockbuster (si tan solo hubiera comprado Netflix).

Las secuencias de acción no son tan malas, lo único es que Capitana Marvel se empeña en lanzar por el aire a todos y se reduce solo a eso: personajes volando, explosiones y ya. Me hubiera gustado ver secuencias coreografiadas, pero bueno, es el poder que tiene la protagonista. La película es entretenida pero creo que la historia pudo ser mejor, si no hubieran existido los personajes de Nick Fury, la mejor amiga Maria Rambeau (Lashana Lynch) y el gato Goose, hubiera sido demasiado aburrida.

La película finaliza en que la Capitana Marvel se va de la Tierra para buscarle un hogar a los skrulls, quienes resultaron no ser los malos sino las víctimas, entonces se dedica a viajar por la galaxia con esta misión. ¿En verdad se tardó 23 años para buscarles un hogar y no tuvo tantito tiempo para regresar a la Tierra a ver cómo estaba su amigo Nick Fury? ¡Pudo detener a Thanos! Eso es algo que no me gustó, esta justificación sacada de la manga del porqué la Capitana Marvel nunca hizo acto de presencia. Otra de las cosas que no me gustaron fue la explicación de porqué Nick Fury perdió el ojo y tiene un parche, y todo fue porque…Goose el gato lo arañó. ¡¿Es en serio?!

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Goose

El reparto funciona bien y es diverso, tenemos actores afroamericanos como Algenis Perez Soto, Djimon Hounsou y la actriz de ascendencia china Gemma Chan. Algo que me pasó es que ya iba con la idea de que Jude Law podría ser un villano al esconder mucho la identidad de su personaje desde que se anunció que era parte del cast.

Y como es costumbre en las películas de Marvel hay escenas post-créditos. En la primera vemos a algunos de los Avengers que sobrevivieron como Capitán América, Black Widow y James Rhodes ver las cifras de las personas desaparecidas y el beeper que Nick Fury había utilizado antes de desaparecer, mismo que le fue entregado por la Capitana Marvel para que la llamara en caso de emergencia. De repente Black Widow se da la vuelta y se encuentra con Carol, quien pregunta por el paradero de su amigo Nick. ¿Será ella quien logre vencer a Thanos? Esta escena obviamente fue para vincular esta película con Endgame.

En la última escena el gato Goose, quien resultó ser un extraterrestre con tentáculos, vomita en el escritorio de Nick Fury el teseracto que se tragó para ocultarlo de los malvados kree. Realmente no aporta información relevante a la historia, sino simplemente era para satisfacer a los que se habían encariñado con el felino durante el transcurso de la película.

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Brie Larson como Capitana Marvel

En conclusión a Capitana Marvel le faltó un poco más de fuerza en su mensaje feminista, la historia pudo ser mejor, algunos personajes hacen que la historia no se caiga y sea entretenida, y hay partes que se sienten muy forzadas para justificar algo de las pasadas cintas de Marvel. Sea como sea es una historia entretenida y si te gustan los superhéroes, los cómics y quieres ver Avengers: Endgame, te recomiendo que la veas.

CALIFICACIÓN: 3/5

 

Reseña de «Happy Death Day 2U» (Feliz Día de tu Muerte 2, 2019)

La película se estrenó en cines este viernes 01 de marzo.

Reseña DUPLO (libre de spoilers y con spoilers)

A finales del 2017 se estrenó la cinta Happy Death Day (Feliz Día de tu Muerte), la cual trajo de vuelta el subgénero de terror denominado slasher, donde existe un asesino enmascarado con sed de venganza que va matando uno a uno a los protagonistas. Este 2019, Christopher Landon decidió estrenar un año y medio después la secuela de la cinta que escribió y dirigió, con la intención de explicar algunos cabos sueltos de la primera entrega y entretener a la audiencia con la misma fórmula. Lee a continuación mi reseña DUPLO.

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Libre de Spoilers

En la primera cinta vimos morir una y otra vez a Tree (Jessica Rothe) a manos de un asesino con una máscara de bebé, quien resultó ser su roomie Lori debido a un crimen pasional. Tree asesinó a Lori arrojándola por la ventana desde un segundo piso, se quedó  con el chico, aprendió la lección de ser una mejor persona y vivió feliz para siempre…o eso creíamos.

En esta secuela tenía mucha curiosidad de saber cómo Christopher Landon iba hacer que la película funcionara nuevamente sin ser tediosa al repetir la misma dinámica de que Tree muere y resucita, al igual que en el primer filme. Para esta ocasión, el director decidió explicar la causa que originó que Tree viviera el mismo día y para eso añadió un poco de ciencia ficción incorporando un aparato creado por unos alumnos, que es el que transporta a la protagonista a otra dimensión donde hay un nuevo enmascarado que asesina a varios personajes, no solo a ella.

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Pienso que la cinta funciona y logra ser entretenida mezclando slasher, ciencia ficción, comedia, drama y romance. Lo único que sucede es que se inclina más por la ciencia ficción y todo este rollo con el aparato y las dimensiones hacen que se nos olvide por completo y perdamos el interés sobre resolver la identidad del asesino. Ya hasta el final retoma este asunto, pero al revelarse es lo que menos nos interesa. Si comparamos el suspenso de la uno con esta, es muy poco lo que encontramos aquí.

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Considero que si no has visto la primera, quizás se te pierdan algunos detalles aunque expliquen de manera rápida lo que sucedió en la anterior. Si viste la uno y te gustó, déjame decirte que nuevamente te encontrarás con una cinta ridícula que disfrutarás en donde Jessica Rothe se lleva por completo la película. Por cierto, hay una escena a la mitad de los créditos después de la canción Stayin’ Alive, lo cual revela algo muy importante.

CALIFICACIÓN: 2.5/5

¡Con Spoilers!

Ahora sí viene lo bueno.

La película trata de volverse seria en cuanto a lo de la máquina que transporta a otras dimensiones, aunque honestamente no se le puede tomar tan en serio. Algo que me gustó de esta entrega fue que se descubriera la razón de porqué Tree volvía al mismo día después de morir. Sin embargo, siento que perdió un poco la esencia de una cinta slasher para convertirse en un híbrido de ciencia ficción con comedia y drama.

Landon supo muy bien cómo extender la historia al incorporar la idea de las dimensiones y que en esta nueva dimensión en donde se encuentra Tree y en la que se desarrolla la mayor parte del filme, hay muchas cosas distintas como el hecho de que quien había sido su asesina no lo es, o que Carter (su interés amoroso) es novio de Danielle, su compañera detestable de la hermandad.

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Como es de esperarse, hay situaciones ridículas como el hecho de que la protagonista comienza a matarse para que no lo haga el asesino enmascarado, ya sea tomando líquido destapacaños, electrocutándose en la bañera o aventándose de un avión sin paracaídas. Todas estas muertes resultan realmente divertidas por lo absurdas que son. Ese es un punto a favor porque en verdad divierte y están acompañadas de la canción Hard Times de Paramore.

La película trata nuevamente de ser aleccionadora pero esta vez pienso que funciona mejor que su antecesora, al dejar un mensaje claro de que no hay que vivir aferrados al pasado sino dar un salto de fe. Otra cuestión es que por un momento se vuelve demasiado cursi en cuanto a la relación de Tree y Carter, y la trama parece girar en torno a ello. Incluso hay una escena donde se están besando en cámara lenta mientras les caen chispas de los focos que explotaron.

Hay un escena post-créditos en la que se muestra el futuro de la historia, ya que de acuerdo a Landon, existe la probabilidad de que haya una tercera película dependiendo de cómo le vaya a esta en taquilla y de ser así, tendríamos como protagonista a Danielle, la malvada de la hermandad, quien se despierta aterrada como Tree en sus regresos de la muerte. Lo cual no suena mal, ya que creo que tenemos suficiente de Tree y el darle relevancia a otros personajes, aunque sean los despreciables, es un giro interesante.

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¿Ya viste Feliz Día de tu Muerte 2? ¿Qué te pareció? Comparte tu opinión en los comentarios y no te pierdas más reseñas en DUPLOsite.com

 

 

Nuestra opinión de las 8 nominadas a Mejor Película

¡No te pierdas hoy la ceremonia de premiación!

Nuestra opinión de las ocho películas nominadas al Óscar.

Roma

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Carlos: Para mí, la película más importante de la noche y por la que voy apostar en la quiniela. Tal vez, la película visualmente más hermosa de las ocho nominadas y también la más polémica. Alfonso Cuarón presenta la película más personal de su carrera, celebrando la vida de la nana que ayudó a criarlo, Liboria Rodríguez, interpretada por Yalitza Aparicio en el personaje de Cleo. Roma no tiene una trama tradicional, pues es más bien una colección de recuerdos de la infancia de Cuarón que narra un año decisivo en su hogar, el de una familia de clase media en la colonia Roma de la ciudad de México en los años setentas.

En México y en el mundo, Roma ha generado todo tipo de discusiones, tal vez el menos importante es si nos gusta la película o no, pues esta película ha puesto sobre la mesa temas de vital importancia como las abusivas condiciones en las que laboran las empleadas domésticas o el terrible clasismo y racismo que padecemos. Por otro lado, Roma está rompiendo esquemas al ser una película estrenada en streaming con muchas posibilidades de hacerse con el galardón más importante en noche de los Óscar, empujado los límites de la industria sobre lo que se considera tradicional.

The Favourite (La Favorita)

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Artur: No lo voy a negar, es mi preferida para ganar la estatuilla como Mejor Película. La cinta retrata un juego de poder y manipulación entre Lady Sarah (Rachel Weisz) y Abigail Hill (Emma Stone), quienes se aprovechan de la fragilidad de la reina Anne (Olivia Colman) para lograr sus objetivos. La Favorita funciona como una crítica a los excesos de la monarquía y a pesar de ser un filme de época no lo es del todo, lo cual la vuelve más interesante. Sus diálogos cómicos y ácidos, la dirección de Yorgos Lanthimos, la utilización de diferentes lentes e iluminación natural, las estupendas actuaciones de la tríada Stone-Colman-Weisz, la banda sonora, el ritmo de la trama y su división en ocho segmentos, la convierten en una película imperdible merecedora de varios premios.

Algo que me fascinó fue el vestuario, en el cual su diseñadora Sandy Powell (La Reina Joven) utilizó colores más sobrios que brillantes y materiales más actuales que los de esa época como la mezclilla. Aún sigo sin superar uno de los vestidos de Emma Stone que me dejó pasmado. El final es muuuuuuy bueno y esa última escena en fade fue una manera gloriosa de concluir. Si hay una candidata muy fuerte en esta categoría, sin lugar a dudas es La Favorita.

A Star Is Born (Nace Una Estrella)

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Carlos: Tenemos que hablar del abundante y excepcional talento que desborda de esta película, ya que es precisamente eso lo que hace que funcione. Bradley Cooper presenta su opera prima con valentía (recordemos que esta historia ya ha sido contada tres veces atrás) y vaya que el tipo es virtuoso, pues además de dirigir, actúa, adapta, produce y hasta canta en vivo; y las críticas le han sido mucho más que favorables.

Por otro lado, se necesitaba que el personaje de Ally proyectara timidez e inseguridad, pero al mismo tiempo un talento grandioso, algo que Lady Gaga logra sorprendentemente. Y es que detengámonos un segundo a pensar lo difícil que es resulta que cantantes talentosísimos den el ancho como actores o que actores transmitan ese sentimiento al hacer una presentación como cantantes.

El talento es fundamental para que una historia como la de A Star Is Born toque fibras y se quede en los corazones, pues lo que Bradley Cooper y Lady Gaga realizan, en lo que les toca hacer, traspasa la pantalla; de otra forma quedaría como un musical más en que los actores mueven los labios.

Vice (El Vicepresidente)

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Artur: De todas las películas ésta era una de las que menos me llamaban la atención porque su director Adam McKay me aburrió y arrulló con la cinta The Big Short (La Gran Apuesta), nominada al Óscar como Mejor Película en el 2016, y me hizo pensar que iba ser similar. Para mi grata sorpresa y a pesar de no estar familiarizado con el vicepresidente Dick Cheney y su desempeño político, Vice se me hizo irónica y hasta cierto punto terrorífica, por como alguien de quien se tenían pocas expectativas en la vida logró estar al mando de la nación más poderosa del mundo e hilar un plan perverso a su favor para escalar en el poder, atacar Irak y controlar las reservas de petróleo.

Solo destaco del filme el gran trabajo de Amy Adams, Christian Bale, Steve Carell y Sam Rockwell, quienes se lucen desde la caracterización (hay que tener demasiado compromiso como Bale para subir tantos kilos) hasta la actuación como las personas que representan (Rockwell me hizo pensar que en verdad estaba viendo a George W. Bush).

La cinta no ofrece nada nuevo y hasta cierto punto uno podría llegar a pensar que está viendo algún capítulo larguísimo de House of Cards (cuando todavía estaba Kevin Spacey) con toques humorísticos, sobre todo con los créditos finales falsos. Como diría Carlos, ya es como muy común y hasta forzado que entre los nominados haya alguna película relacionada con la política de Estados Unidos y aquí está el claro ejemplo. Vice es un largometraje que pasa sin pena ni gloria. ¿Es una película que vale la pena ver? Sí ¿Es una cinta que será olvidada? También.

Black Panther (Pantera Negra)

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Carlos: No es ningún secreto que no me gustan las películas de superhéroes y esta no es la excepción. Reconozco que Marvel Studios estrenó Black Panther en el momento correcto pues el mundo necesita esta tipo de representación y empoderamiento; además toda la mitología alrededor de Wakanda la encuentro interesante y cool. Mi problema con Black Panther es que tiene muchas cosas que no me gusta ver en el cine como situaciones ilógicas, escenas de acción solo por poner acción, etc. Yo soy de los que no entiende qué hace en la categoría de mejor película.

BlacKkKlansman (El Infiltrado del KKKlan)

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Artur: La última cinta de Spike Lee (Malcolm X) me intrigó al saber que se trataba de una historia real sobre un policía afroamericano infiltrado en el Ku Klux Klan durante los años 70. BlacKkKlansman es un filme con un mensaje social muy fuerte sobre el racismo y la situación actual que se vive en Estados Unidos, donde aún persiste esta ideología de superioridad.

El director y guionista de la cinta se inspiró en los ataques ocurridos en Charlottesville durante el 2017 para crear un material que nos haga reflexionar e incomodarnos, dirigido principalmente a los estadounidenses para que abran sus ojos y alcen la voz contra la persona que está al mando de su país, Donal Trump, quien es amiguísimo de David Duke, ex líder «Gran Mago» del Ku Klux Klan.​ La cinta tiene varios momentos de comedia para hacerla más digerible y una gran química entre los actores John David Washington (sí, el hijo de Denzel Washington) y Adam Driver, quienes logran una gran interpretación al recaer en ambos el largometraje. De hecho, al ver la película se me hizo muy extraño que Washington no estuviera entre los nominados a Mejor Actor.

Por otra parte, el odio que manifiestan los miembros del clan integrados por los actores Topher Grace, Ryan Eggold y Jasper Pääkkönen hacen que los detestemos por completo y que el final nos deje con un mal sabor de boca, demostrándonos que la lucha continúa aún varias décadas después. Pienso que puede ser la gran sorpresa de la noche por el mensaje que transmite y ser una bofetada directa y sin escalas por parte de la Academia al gobierno actual de Estados Unidos. Definitivamente vale la pena verla si es que aún no lo has hecho.

Bohemian Rhapsody

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Artur: La película sobre la historia de Freddie Mercury fue una de las que más disfruté el año pasado porque me entretuvo a tal punto que me dieron ganas de cantar, llorar e incluso se me puso la piel chinita. La cinta nos adentra en los inicios de Queen y la creación de la canción que da nombre al largometraje. Si bien, alguno de los contras que existen en cuanto al desarrollo de la trama es la manera en la que se aborda el tema de la sexualidad del protagonista, ya que es tomado muy a la ligera y parece no tener tanta relevancia cuando tendría que ser todo lo contrario. De hecho varios medios y críticos comentaron que esto se debía a que se pretendía llegar a un mayor público sin que existiera un rechazo de por medio.

Sin embargo, algo que logra rescatar el filme es la música, la cual juega un papel muy importante y lo mejor fue la selección de los temas, haciendo un recorrido por los grandes éxitos de la banda. El trabajo actoral de Rami Malek es algo excepcional porque por momentos en verdad crees que es Mercury y creo que en caso de ganar como Mejor Actor lo tiene bien merecido (¡espero que así sea porque es mi favorito!), aunque la competencia está muy fuerte con Christian Bale (Vice).

Bohemian Rhapsody pudo haber sido un filme que reflejara la esencia real de Freddie Mercury, sin necesidad de ser tan amigable con todo el público (sobre todo con los que se mega ofenden viendo a dos hombres besándose). Quizás llegue el día en que se le haga justicia y se proyecte una cinta que haga honor total al vocalista de Queen. Si no han visto la peli ¡háganlo ya!

Green Book

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Carlos: Aquí un hombre de clase trabajadora se convierte en el chofer de un talentoso y distinguido pianista afroamericano en los años sesentas. Así te embarcas en un viaje con un poderoso mensaje sobre la amistad y en contra del racismo. El nombre «Green Book» viene de la guía que recopilaba restaurantes, bares, estaciones de servicio, hoteles y otros establecimientos que aceptaban a la población afroamericana en esos años.

Esta es una bonita historia con un importante mensaje que a todo mundo puede gustarle. Yo personalmente me carcajeé en unas partes y me lloraron mis ojitos en otras. Muy bonita y muy necesaria.

Reseña de «Dibujando el Cielo» (2018)

La película se estrenó el 31 de agosto en cines de México.

Spoiler Alert!

El pasado viernes llegó a la cartelera la cinta mexicana Dibujando el cielo, protagonizada por Maite Perroni (Rebelde), Iván Sánchez (Paraíso Perdido), Christian Vazquez (Rosario Tijeras), Ana Layevska (Cantinflas) y Claudia Ramírez (Sólo con tu Pareja). La trama gira en torno a una astrofísica llamada Sofía, quien está finalizando su tesis de posgrado y que ha sacrificado su vida personal por sus estudios. Un día conoce a un vulcanólogo español llamado Raúl, de quien se empieza a enamorar y con el que descubrirá muchas cosas de sí misma y la vida.

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Esta película es el debut como directora de largometraje de Ana Laura Calderón, quien ha editado filmes como Cambio de Ruta, Te Presento a Laura y Las Horas Muertas. Simplemente con ver el póster promocional nos damos una idea de qué es lo que veremos, así que no es ninguna sorpresa la cantidad de cursilería que se avecina. Bien podría ser parte de la campaña de la nueva telenovela de Maite Perroni.

Perroni en el papel protagónico, no termina de convencer como astrofísica y su actuación es mala, tanto que ni siquiera le sale natural en las dos escenas donde se supone que está borracha. Lo único que sí le aplaudo es la habilidad de jalar el mantel sobre la mesa y que no haya tirado las copas (espero no haya usado doble). El personaje de la mejor amiga, interpretado por Ana Layevska, es quien da el toque de humor a la cinta, no tiene pelos en la lengua al decir las verdades como debe ser y comenta lo que seguramente varios espectadores pensamos cuando platica con Sofía (quiere tener sexo con el español, que no se haga). Lo único malo de este rol, es que es muy parecido al que Layevska interpretó en la comedia romántica Cansada de Besar Sapos (2006) y con el que quisieron repetir la fórmula.

En cuanto a los intereses amorosos de la protagonista, lo cual es el eje central de la historia, me parece que Sofía se enamora demasiado rápido de Raúl (Iván Sánchez), quien le dice que quiere pasar el resto de su vida con ella cuando apenas llevaban algunos días de conocerse. Pero como tiene que haber un triángulo amoroso, Gerardo (Christian Vazquez), su jefe del observatorio, le confiesa que siempre ha estado enamorado de ella (que oportuno que se le declara cuando ve que ya anda con otro ¬¬), ¡¿por qué no se lo dijo antes si la tuvo todo el tiempo en la oficina?!

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Luego Sofía y Raúl van a casa de la familia de ella porque su hermana se va a casar. Ahí el vulcanólogo conoce a la mamá (Claudia Ramírez), quien no es por nada pero creo que hace mucho mejor pareja con ella. Como era de esperarse, hay un dramón en la boda de la hermana cuando Sofía descubre que el español tiene ya un viaje programado para Australia, donde vivirá 3 años. Yo pensé que iba salir con que estaba casado o algo por el estilo, más como de telenovela. Algo muy extraño que pasa con el personaje de Sofía, es que la presentan como nerd e inocente, y de repente conoce al español y ya se pone borracha, su tesis le vale y ni se preocupa por ella (¡te van a quitar la beca CONACYT!). A ver Sofía, si el tipo con el que sales te distrae de tus prioridades, no es un buen partido o de plano tu estás muy mal.

Y sí, como era de esperarse, su jefe le dice que han estado recortando becas y la suya es una de ellas porque no ha entregado nada. Pero gracias al dramón con el español (que gracias a Dios dura poco) y una analogía sobre su vida amorosa y los satélites, por arte de magia se le ocurre el tema de su tesis, logra entregarla a tiempo y ¡no pierde la beca! De paso tiene un enamoramiento exprés (desinteresado, obvio) con su jefe y todo termina en miel sobre hojuelas de manita sudada caminando por la UNAM. Una de las cosas que me gustaron fue que tuvimos a un verdadero patán en la pantalla y que no regresó en busca de la protagonista. Y que desperdicio con la actuación de Christian Vazquez, uno de los mejores actores mexicanos que existen en la actualidad.

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Honestamente creo que la película debería llamarse «Cómo obtener inspiración para terminar tu tesis y que no te quiten la beca CONACYT», esa es la gran lección de la película. Ojalá que otras cintas mexicanas de mejor calidad recibieran la misma promoción que esta. No está de más ver qué es lo que están haciendo en nuestro país en el cine comercial, pero me gustaría que no fueran telenovelas en 90 minutos.

CALIFICACIÓN: 1.5/5

 

Reseña de «Mamma Mia! Here We Go Again» (Mamma Mia! Vamos Otra Vez, 2018)

La cinta se estrenó en los cines de México el pasado viernes 17 de agosto.

Reseña Duplo (Libre de spoilers y con spoilers)

En mayo del 2017 se anunció que se estrenaría este año la secuela de la cinta basada en el exitoso musical de Broadway, la cual llegaría a los cines una década después de su predecesora.

La incógnita era ¿de qué va tratar ahora?, pero con la llegada del trailer nos percatamos que el personaje de Donna (Meryl Streep) había muerto y ahora su hija Sophie (Amanda Seyfried) está embarazada. También la trama iba ser un viaje al pasado, sobre cómo Donna había llegado a la isla y los momentos en los que conoció a Sam (Pierce Brosnan), Bill (Stellan Skarsgård) y Harry (Colin Firth), los tres padres de Sophie.

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Libre de spoilers

Honestamente esta secuela fue totalmente innecesaria, pero como a la primera le fue muy bien decidieron hacerla. Es como Shrek 2, 3, 4, etc., o sea nadie las pidió pero ahí están bajo la sombra de la primera. Eso sucede con Mamma Mia! Here We Go Again, la cual obviamente no supera a la cinta del 2008, pero aún así conserva ese encanto y la relación madre e hija, a la cual se agrega ahora a medias la de nieta-abuela.

Me parece que Lily James logra cumplir con el papel de Donna en su versión joven, posee una buena voz y cautiva desde el primer número musical, aunque es evidente que extrañamos a Meryl Streep (¿quién no?). Algo que sin duda salva al filme son las amigas Tanya y Rosie, tanto en la versión joven como en la actual, ya que estos dos personajes son los que tienen los momentos más hilarantes.

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Con respecto a los protagonistas masculinos en su versión joven, hubo una muy buena selección porque los tres papás de Sophie son muy parecidos a la versión actual. El que más sobresale es Hugh Skinner, la versión joven de Harry, quien a pesar de ser el que menos sale en pantalla, es el que mejor se desempeña en un número musical con el tema «Waterloo».

Es muy grato ver nuevamente a los personajes de la primera cinta y saber qué fue de su vida durante estos años. Tengo que confesar que me encanta Amanda Seyfried y la excelente química que tiene con Dominic Cooper, quien por cierto fue su novio en la vida real. Hay muchas referencias a la primera película, como el overol de Donna, así que si eres fan de Mamma Mia! la disfrutarás al máximo. Y bueno resta decir que el personaje de Cher le agrega bótox y diversión a la trama.

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Mamma Mia! Here We Go Again no es una cinta que vaya ser memorable, pero vale la pena verla para alegrarnos el día, inspirarnos con la música de ABBA y sentir que la vida es un musical. Por cierto, mientras escribo esta reseña estoy escuchando Gimme! Gimme! Gimme! (A Man After Midnight) y ya es más de media noche y nada más no veo claro jajajaja.

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La película es entretenida, eso no está en discusión, pero tiene varios problemas en cómo se desarrolla la historia. Hubo un número musical que sentí muy forzado al principio, en el que Sophie y Sky están hablando por teléfono y él le dice que le ofrecieron un trabajo fijo en Nueva York. Los dos tienen un pequeña discusión y luego entra el tema «One of Us», en verdad se sintió como de «vamos a hacer que se peleen por algo para que puedan interpretar esa canción».

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Me sacó de onda que Donna fue prácticamente una paracaidista. Llegó a la isla, se metió a una casa que vio abandonada y casual se quedó a vivir en ella. Luego en el transcurso de la historia aparece quién es la dueña, pero ¿qué onda con Donna? Algo que no fue de mi agrado fue que los extras que aparecieron en el pasado, aparecían también en la actualidad y como si el tiempo no hubiera hecho de las suyas porque se veían exactamente igual.

Me intrigaba mucho saber de qué había muerto el personaje de Meryl Streep, pero nunca revelan cuál fue la causa. Eso sí me decepcionó, ¡yo quería saber! Solo espero que no haya sido muy trágica, quizás luego se revele. A pesar de que Donna está muerta, hay un número musical muy emotivo con ella y Sophie, agradezco que al menos nos regalaron eso.

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Cuando anunciaron que en la película íbamos a ver cómo Donna había conocido a Sam, Bill y Harry, presentí que quizás como espectadores podríamos saber quién era el verdadero padre de Sophie, pero eso no sucede porque prácticamente se acostó con los tres con pocos días de diferencia. Aunque ya conociendo las historias, la que mejor estuvo fue la que tuvo con Sam, con quien se queda al final de la primera película.

El personaje de la abuela de Sophie, interpretado por Cher, me parece que está de más y no aporta nada a la trama. Si omitieran las escenas en las que sale, realmente no afecta la película, salvo por los números musicales. Siento que fue más como de «no tenemos a Meryl, pero metamos a Cher…y también de una vez a Andy García».

La película se disfruta pero no tanto como la primera. Es más claro que el agua que no habrá una secuela, eso espero. Si te gustan los musicales y amaste la primera parte, definitivamente tienes que correr a verla.

CALIFICACIÓN: 3.5/5

¿Ya viste Mamma Mia! Here We Go Again? ¿Qué te pareció? Comparte tu opinión en los comentarios y espera más reseñas de películas en Duplosite. No olvides seguirnos en nuestras redes sociales.

 

 

 

 

Reseña de «Love, Simon» (Yo Soy Simón, 2018)

La cinta se estrenó en cines este viernes 13 de abril.

[Libre de spoilers]

Simon es un chico de 17 años que tiene una vida ordinaria, es feliz con sus padres y su hermana menor, asiste a la preparatoria y se divierte con sus amigos. Pero tiene un gran secreto, es gay. Con esto comienza la comedia romántica Love, Simon (Yo Soy Simón) y a continuación les comparto mi reseña.

La cinta está basada en la novela del 2015 «Simon vs. the Homo Sapiens Agenda» de Becky Albertalli, y es dirigida por Greg Berlanti, productor de series como Arrow, The Flash, Dawson’s Creek y Brothers & Sisters. Como dato curioso, Berlanti está casado con Robbie Rogers, futbolista de Los Angeles Galaxy, y con quien tiene un hijo.

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La película tiene muy buena dosis de comedia, drama y romance adolescente. Uno de los puntos a favor es la encantadora historia de Simon, con la que sin duda algunas personas se sentirán identificadas. En ningún momento se vuelve aburrida, sino todo lo contrario, uno quiere saber cuál va ser el desenlace. El tema de la homosexualidad en un joven y su salida del clóset, me parece que está muy bien logrado y lo muestran de una manera natural sin ser exagerado y dramático.

Al escuchar lo que pasa por la cabeza del protagonista y esos diálogos internos que tiene consigo mismo, ocasiona que se genere una empatía con el personaje y logra que haya una conexión con el público, no necesariamente se necesita ser gay para entenderlo sino que uno sabe lo que se siente cuando se está enamorado de otra persona. La magia de la película reside en eso, en que es una película de amor, así como el eslogan que utilizaron durante la promoción de la cinta y que incluso Simon menciona: «Todos merecemos una gran historia de amor».

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El gran misterio que envuelve el largometraje es ¿quién es Blue? Esa persona que también es gay, asiste a la misma preparatoria y con quien Simon ha estado intercambiando mails por meses. Sin duda alguna, la revelación les sorprenderá tanto como a mí y puede que hasta se les caigan las palomitas y se les atoren los nachos, así que tengan una bebida a la mano.

Las actuaciones son buenas y hay una excelente química entre los protagonistas, sobre todo el grupo de amigos conformado por Simon (Nick Robinson), Leah (Katherine Langford), Abby (Alexandra Shipp) y Nick (Jorge Lendeborg Jr.); y la familia de Simon conformada por los actores Josh Duhamel, Jennifer Garner y Talitha Eliana Bateman.

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Otras cosas que me encantaron fueron las referencias a la cultura pop como Wonder Woman, Game of Thrones, Tinder, Facebook, entre otros. También el soundtrack es buenísimo, muy buena elección las canciones de Bleachers como Alfie’s Song (Not So Typical Love Song), Strawberries and cigarettes de Troye Sivan y Love Me de The 1975.

A mi parecer, Love, Simon es una cinta con un gran mensaje de que todos debemos mostrarnos realmente como somos para ser libres y felices, y que también existen personas que nos quieren tal cual somos. Sin duda alguna es una cinta que no te debes perder. Si no la has visto ¡¿qué esperas?! ¡Corre a verla ya!

CALIFICACIÓN: 4.5/5

Si les gustó Love, Simon, no se pueden perder en Netflix las cintas Boys (Jongens), Handsome Devil y 4th Man Out.

Reseña de «BARRY» (HBO Series)

La serie de comedia se estrenó el 25 de marzo por HBO.

El comediante Bill Hader, quien saltó a la fama por su trabajo en Saturday Night Live, protagoniza, produce y escribe esta nueva serie de comedia negra que se transmite los domingos por HBO.

¿De qué va?

Barry Berkman (Hader) es un ex-marine que regresa de Afganistán y trabaja como asesino a sueldo en Cleveland. Un día le encomiendan matar a un hombre en Los Ángeles, por lo que viaja hasta allá y al seguir a su objetivo, entra por azares del destino a un club de teatro. Es ahí donde Barry descubre su verdadero propósito: la actuación.

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Reseña

Siempre me ha parecido muy simpático el actor Bill Hader, me encantó en la cinta Trainwreck junto a Amy Schumer y en Barry no me decepcionó en lo absoluto. Aparte tiene un rostro de loco que fácilmente podrías pensar que es un asesino, pero es éste mismo rostro el que le ayuda a ser muy versátil para mostrar el lado cómico del personaje.

La historia me pareció de lo más divertida en este primer episodio y a pesar de que es una comedia, tiene también escenas dramáticas cuando involucra los asesinatos. El reparto es muy bueno, sobre todo los actores Sarah Goldberg (Sally Reed), Stephen Root (Monroe Fuches) y Henry Winkler (Gene Cousienau), cuyos personajes son una parte esencial de la trama.

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Algunos puntos a favor es que posee unos diálogos muy bien logrados y una buena dirección del piloto por parte de Bill Hader. El capítulo logró atraparme como espectador y ese final sin duda me dejó intrigado sobre el destino del personaje. No les voy a mentir, me encantó la serie y sin duda alguna veré los ocho episodios que conforman esta primera temporada.

Hablar de una serie de HBO, es hablar de calidad. Hay varios ejemplos como Game of Thrones, Westworld, Sex and The City, Silicon Valley y más. Ésta es sin duda una comedia negra que no debes dejar pasar, te aseguro que no te arrepentirás (si es que te gustan este tipo de series).

Barry se transmite los domingos por HBO y también puedes verla en HBO GO.

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