#Movieducation: El Cine de Autor

Algunas veces hemos escuchado el término «de autor» en el cine, pero ¿qué significa realmente esto?

En los comienzos del cine, la gente disfrutaba de las películas sin saber el nombre del director. Algunos de sus motivos era por el tema o para ver a las estrellas del momento en la gran pantalla. En la actualidad, éstas siguen siendo algunas de las razones por las que la gente acude a ver determinada cinta, pero la diferencia es que ahora ya reconocemos a los directores, reconocemos su calidad de creadores y en ocasiones vamos a ver un filme porque lo realizó un director específico que le puso su sello personal.

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Mommy (2014) de Xavier Dolan.

 

Todo comenzó en 1948 cuando el director, guionista y escritor francés, Alexandre Astruc, escribió un artículo titulado «El nacimiento de la Nueva Vanguardia: Le Camera» en la revista L’Écran français y sentó las bases para que se originara la Teoría de autor. Astruc desarrolló la expresión caméra stylo (cámara-escritura) definiendo el cine como un lenguaje porque había pasado a convertirse en un medio de escritura tan flexible y sutil como el del lenguaje escrito, ya que el artista expresaba su visión personal.

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Alexandre Astruc.

En la década de 1950, unos jóvenes críticos de la revista Cahiers du Cinéma acuñaron el término auteur (autor) y aseguraban que los mejores realizadores eran aquellos que aplicaban su sello personal en cuanto a estilo y temática. Mencionaban que el director era la única persona a la que se le podía atribuir la autoría de una película porque estaba plasmando su estilo, pero no todos podían ser considerados autores porque se requería un mínimo de ingenio creativo.

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En 1954 el director, crítico y actor francés, François Truffaut, escribió un artículo en el número de enero de Cahiers du Cinéma al que tituló «Una cierta tendencia del Cine Francés», en el cual afirmaba que aunque en una cinta participaran muchas personas para su realización, siempre llevaba la firma de su director. Fue así como acuñó la expresión «la politique des auteurs» (política de autores) que originó la Teoría de autor.

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François Truffaut.

La Teoría de Autor asevera que el cineasta o director es su propio guionista, es decir, el autor, y el filme lleva un sello distintivo. Esta teoría es la que se utiliza principalmente en la crítica periodística. Otras características del cine de autor es que hay menos restricciones creativas, el director interviene en todas las etapas del filme (desde la pre-producción hasta la post-producción), se encuentran elementos recurrentes en sus cintas y plasma su visión, lo cual convierte la obra en una declaración personal.

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El Séptimo Sello (1957) de Ingmar Bergman.

El mismo Truffaut realizó cine de autor en 1959 con la cinta Les quatre cents coups (Los 400 Golpes), en la que plasmó su difícil infancia y adolescencia, y en la que el protagonista llamado Antoine Doinel se convierte en el álter ego del director. Entre los directores que han filmado películas de autor nos encontramos a:

  • Luis Buñuel (Un Perro Andaluz, 1929).
  • Orson Welles (Ciudadano Kane, 1941).
  • Ingmar Bergman (El Séptimo Sello, 1957).
  • Alfred Hitchcock (Vértigo, 1958).
  • Federico Fellini (La Dolce Vita, 1960).
  • Andrei Tarkovsky (Stalker: La Zona, 1979)
  • Krzysztof Kielowski (Tres colores: Azul, 1993, Blanco, 1994 y Rojo, 1994).
  • David Fincher (El Club de la Pelea, 1999)
  • David Lynch (Mulholland Drive, 2001).
  • Pedro Almodóvar (Hable con Ella, 2002).
  • Quentin Tarantino (Kill Bill Vol. 1 y 2, 2003-2004).
  • Sofia Coppola (Perdidos en Tokio, 2003). ¡Mi favorita! ❤
  • Michel Gondry (Eterno Resplandor de una Mente sin Recuerdos, 2004).
  • Xavier Dolan (Yo Maté a mi Madre, 2009).
  • Christopher Nolan (El Orígen, 2010).
  • Woody Allen (Medianoche en París, 2011).
  • Lars Von Trier (Melancolía, 2011).
  • Noah Baumbach (Frances Ha, 2012).
  • Carlos Reygadas (Post Tenebras Luz, 2012).
  • Wes Anderson (Moonrise Kingdom: Un Reino Bajo la Luna, 2012).
  • Myroslav Slaboshpytskyi (La Tribu, 2014).
  • Pablo Larraín (El Club, 2015).
  • Matt Ross (Capitán Fantástico, 2016).
  • Mia Hansen-Løve (El Porvenir, 2016).
  • Jim Jarmusch (Patterson, 2016).
  • François Ozon (Frantz, 2016).
  • Darren Aronofsky (¡Madre!, 2017).
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Frances Ha (2012) de Noah Baumbach.

 

¿Conoces alguna otra película de autor? Compártela en los comentarios y no te pierdas más entradas de #movieducation, solo aquí en DUPLOsite.com

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Ennio Morricone

Por Artur.

La música es indiscutiblemente un elemento que agradecemos en las películas, nos hace llorar, enamorarnos e inclusive nos mantiene al borde de la butaca (por ejemplo con Psicosis o El Exorcista). Son muchas las veces que apreciamos la banda sonora de las cintas, pero son pocas las veces que prestamos atención sobre quién es la mente maestra detrás de esa gran composición. Pues bien, me he dado a la tarea de elaborar este post sobre el reciente ganador del Óscar por Mejor Banda Sonora por la película «The Hateful Eight» (Los 8 Más Odiados), me refiero al compositor y director de orquesta italiano Ennio Morricone.

Ennio Morricone nació el 10 de noviembre de 1928 en Roma, Italia. El primer instrumento que tocó fue la trompeta y a los nueve años ingresó a la Academia Nacional de Santa Cecilia para estudiar música. A los doce años entró a un conservatorio en un programa que duraba cuatro años, pero él lo terminó en seis meses. Después de graduarse, comenzó a componer melodías para películas, sin embargo estas eran atribuídas a famosos compositores de la época, convirtiéndolo a él en un escritor fantasma.  Tiempo después adquirió popularidad al componer melodías para la radio, esto hizo que dejara de ser un fantasma y compusiera para el cine bajo su nombre y autoría.

Después de recibir varios diplomas en composición, en 1955 se dedicó a arreglar música de otros compositores que trabajaban en cine. Sergio Leone lo requería para que fuera el compositor de sus películas y fue así como Morricone comenzó a incursionar en la banda sonora de las películas de género western.

Dentro de las más de 500 películas y series de televisión de las que ha compuesto la banda sonora se encuentran, por mencionar algunas: «Days of Heaven»(Días del Cielo), «The Untouchables» (Los Intocables), «The Mission» (La Misión), «The Good, The Bad and The Ugly» (El Bueno, El Malo y El Feo), «Malena», «Cinema Paradiso», «Per qualche dollaro in più» (Por Unos Dólares Más), «Kill Bill: Vol 1», «Kill Bill: Vol 2», «Django Unchained» (Django: Sin Cadenas) y la más reciente, «The Hateful Eight» (Los Ocho Más Odiados)  del director Quentin Tarantino.

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Entre sus premios se encuentran dos Grammy, tres Golden Globes, cinco BAFTA, diez David de Donatello (galardones cinematográficos más importantes en Italia), once Nastro d’argento (premio cinematográfico del Sindicato Nacional Italiano de Periodistas de Cine), el Premio de Música Polar en el 2010 (Premio Internacional de Música concedido por la Real Academia Sueca de Música), el Óscar Honorífico por sus contribuciones en el arte de la música en el cine en el año 2006, y el Óscar como Mejor Banda Sonora en el 2016.

Cabe recalcar que Ennio Morricone estuvo nominado 6 veces en la categoría de Mejor Banda Sonora en los Premios Óscar y finalmente lo pudo ganar a la edad de 87 años, convirtiéndose así en galardonado de mayor edad en esta categoría.

Si quieres escuchar la música de Ennio Morricone, relajarte y sentirte en una película, te invito a que escuches sus discos «Ennio Morricone: The Love Collection», «Ennio Morricone & Quentin Tarantino: Soundtrack Collection» (exclusivo de Spotify) y «Ennio Morricone Music – The Golden Globe Collection», los tres los pueden encontrar en Spotify.

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