Reseña de «Happy Death Day 2U» (Feliz Día de tu Muerte 2, 2019)

La película se estrenó en cines este viernes 01 de marzo.

Reseña DUPLO (libre de spoilers y con spoilers)

A finales del 2017 se estrenó la cinta Happy Death Day (Feliz Día de tu Muerte), la cual trajo de vuelta el subgénero de terror denominado slasher, donde existe un asesino enmascarado con sed de venganza que va matando uno a uno a los protagonistas. Este 2019, Christopher Landon decidió estrenar un año y medio después la secuela de la cinta que escribió y dirigió, con la intención de explicar algunos cabos sueltos de la primera entrega y entretener a la audiencia con la misma fórmula. Lee a continuación mi reseña DUPLO.

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Libre de Spoilers

En la primera cinta vimos morir una y otra vez a Tree (Jessica Rothe) a manos de un asesino con una máscara de bebé, quien resultó ser su roomie Lori debido a un crimen pasional. Tree asesinó a Lori arrojándola por la ventana desde un segundo piso, se quedó  con el chico, aprendió la lección de ser una mejor persona y vivió feliz para siempre…o eso creíamos.

En esta secuela tenía mucha curiosidad de saber cómo Christopher Landon iba hacer que la película funcionara nuevamente sin ser tediosa al repetir la misma dinámica de que Tree muere y resucita, al igual que en el primer filme. Para esta ocasión, el director decidió explicar la causa que originó que Tree viviera el mismo día y para eso añadió un poco de ciencia ficción incorporando un aparato creado por unos alumnos, que es el que transporta a la protagonista a otra dimensión donde hay un nuevo enmascarado que asesina a varios personajes, no solo a ella.

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Pienso que la cinta funciona y logra ser entretenida mezclando slasher, ciencia ficción, comedia, drama y romance. Lo único que sucede es que se inclina más por la ciencia ficción y todo este rollo con el aparato y las dimensiones hacen que se nos olvide por completo y perdamos el interés sobre resolver la identidad del asesino. Ya hasta el final retoma este asunto, pero al revelarse es lo que menos nos interesa. Si comparamos el suspenso de la uno con esta, es muy poco lo que encontramos aquí.

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Considero que si no has visto la primera, quizás se te pierdan algunos detalles aunque expliquen de manera rápida lo que sucedió en la anterior. Si viste la uno y te gustó, déjame decirte que nuevamente te encontrarás con una cinta ridícula que disfrutarás en donde Jessica Rothe se lleva por completo la película. Por cierto, hay una escena a la mitad de los créditos después de la canción Stayin’ Alive, lo cual revela algo muy importante.

CALIFICACIÓN: 2.5/5

¡Con Spoilers!

Ahora sí viene lo bueno.

La película trata de volverse seria en cuanto a lo de la máquina que transporta a otras dimensiones, aunque honestamente no se le puede tomar tan en serio. Algo que me gustó de esta entrega fue que se descubriera la razón de porqué Tree volvía al mismo día después de morir. Sin embargo, siento que perdió un poco la esencia de una cinta slasher para convertirse en un híbrido de ciencia ficción con comedia y drama.

Landon supo muy bien cómo extender la historia al incorporar la idea de las dimensiones y que en esta nueva dimensión en donde se encuentra Tree y en la que se desarrolla la mayor parte del filme, hay muchas cosas distintas como el hecho de que quien había sido su asesina no lo es, o que Carter (su interés amoroso) es novio de Danielle, su compañera detestable de la hermandad.

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Como es de esperarse, hay situaciones ridículas como el hecho de que la protagonista comienza a matarse para que no lo haga el asesino enmascarado, ya sea tomando líquido destapacaños, electrocutándose en la bañera o aventándose de un avión sin paracaídas. Todas estas muertes resultan realmente divertidas por lo absurdas que son. Ese es un punto a favor porque en verdad divierte y están acompañadas de la canción Hard Times de Paramore.

La película trata nuevamente de ser aleccionadora pero esta vez pienso que funciona mejor que su antecesora, al dejar un mensaje claro de que no hay que vivir aferrados al pasado sino dar un salto de fe. Otra cuestión es que por un momento se vuelve demasiado cursi en cuanto a la relación de Tree y Carter, y la trama parece girar en torno a ello. Incluso hay una escena donde se están besando en cámara lenta mientras les caen chispas de los focos que explotaron.

Hay un escena post-créditos en la que se muestra el futuro de la historia, ya que de acuerdo a Landon, existe la probabilidad de que haya una tercera película dependiendo de cómo le vaya a esta en taquilla y de ser así, tendríamos como protagonista a Danielle, la malvada de la hermandad, quien se despierta aterrada como Tree en sus regresos de la muerte. Lo cual no suena mal, ya que creo que tenemos suficiente de Tree y el darle relevancia a otros personajes, aunque sean los despreciables, es un giro interesante.

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¿Ya viste Feliz Día de tu Muerte 2? ¿Qué te pareció? Comparte tu opinión en los comentarios y no te pierdas más reseñas en DUPLOsite.com

 

 

Reseña de «Wonderstruck: El Museo de las Maravillas» (2017)

La cinta dirigida por Todd Haynes se estrena este viernes 19 de enero.

[Sin spoilers]

El pasado martes 16 de enero tuve la oportunidad de asistir a la premiere de la cinta Wonderstruck: El Museo de las Maravillas, gracias a un concurso realizado por el Cine Morelos y Cinépolis Distribución.

El filme de casi dos horas de duración es dirigido por el estadounidense Todd Haynes, quien ha realizado otros largometrajes como Carol, I’m Not There. (Mi Historia Sin Mi), Far From Heaven (Lejos del Cielo) y Velvet Goldmine. En el reparto destaca Julianne Moore, la fugaz aparición de Michelle Williams y los niños protagonistas Millicent Simmonds y Oakes Fegley. A continuación te presento mi reseña libre de spoilers.

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Wonderstruck trata del viaje de un niño y una niña con cincuenta años de diferencia entre sus épocas, en las que ambos tienen un objetivo en común y la necesidad de encontrar su lugar en este mundo. Los dos comparten una terrible tragedia, pero eso no es impedimento para lograr su propósito.

Algo que me gustó de la cinta fue la manera en que está construida. Por un lado tenemos a Ben, quien vive en los setentas, y a Rose que está en los años veinte. Sus historias se van alternando y por un momento puede llegar a desesperar. La historia de él se presenta con diálogos y a color, mientras que la de ella es todo lo contrario, está en blanco y negro y no escuchamos nunca los diálogos. Destaco que la historia de Rose me transportó completamente a las películas mudas en los comienzos del cine, gracias a la musicalización de Carter Burwell y las actuaciones muy dramatizadas de los involucrados.

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Hay una escena en la que Rose está en el cine viendo una película con orquesta en vivo y al salir hay un letrero que anuncia que el cine estará cerrado temporalmente, ya que van a instalar un sistema de sonido porque las películas se proyectarán con audio sincronizado. Ésto a pesar de ser algo bueno, me destrozó el corazón por el problema de Rose que se revela poco después y que es importantísimo en la trama.

El contraste social y arquitectónico que se muestra entre ambas épocas es un elemento importante. Por un lado está el Nueva York antiguo con gente vistiendo muy elegante y siendo más conservadores, y por otro lado está el Nueva York donde hay más libertad, más edificios y mucha más suciedad. Algo que logré distinguir fue que en la época de Rose nos presentan a dos afroamericanos siendo sirvientes en su casa, mientras que en la época de Ben, las personas de color viven con mayor libertad paseando en la calle y nos muestran el avance social que se ha logrado.

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Otro punto a su favor es el diseño de producción, el cual es acertado y corresponde a las épocas de ambos. Me gustó mucho ver la moda de los setentas, ver cómo fue el Museo de Historia Natural en el pasado (muy diferente al de Una Noche en el Museo) y escuchar canciones como Fox on the Run de Sweet Best. La elección de la actriz Millicent Simmonds para interpretar a Rose, me pareció muy buena porque tiene justamente ese rostro y facciones que evocan a las niñas de aquella época, obviamente con ayuda del vestuario y maquillaje.

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Antes del desenlace hay una secuencia en stop motion que me gustó y me pareció que conservó la magia de la cinta a pesar de ser un momento triste y revelador. Mi parte favorita fue la escena entre Julianne Moore y Oakes Fegley, cuando tienen una conversación mientras ven el panorama de Nueva York en un museo.

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Hay momentos en los que la cinta se siente un poco lenta y floja, en los que parece no avanzar y que la historia está decayendo. Se pudieron acortar u omitir algunas escenas, ya que no aportan demasiado a la trama y solamente están de relleno, como la larga persecución en el museo. Casi al final es muy predecible en qué va a terminar y la relación que existe entre los dos infantes.

Si quieres ver una película diferente, con un buen diseño de producción, algunos personajes entrañables y un toque de magia, definitivamente debes verla.

CALIFICACIÓN: 3/5

Wonderstruck se estrena este viernes 19 de enero en los cines de la CDMX, Área Metropolitana, Cuernavaca, Guadalajara, Monterrey, Morelia y Toluca.

 

Reseña de «White Gold» (Netflix, 2017)

La primera temporada de esta comedia de la BBC se encuentra disponible internacionalmente en Netflix.

¡Libre de Spoilers!

En mayo de este 2017 se estrenó la primera temporada de la serie británica White Gold en el canal BBC Two y en agosto se lanzó internacionalmente por Netflix. El reparto está encabezado por Ed Westwick, a quien conocemos por interpretar a Chuck Bass en la exitosa serie juvenil Gossip Girl. Te invito a leer a continuación mi reseña libre de spoilers de esta comedia.

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La razón que me motivó a ver la serie fue que aparecía Ed Westwick y como era fan de Gossip Girl, sobre todo de la parejita Chuck-Blair, decidí darle una oportunidad. La trama se sitúa en Essex a mediados de la década de los ochenta y gira en torno a Vincent Swan (Westwick), el líder en un equipo de ventas de ventanas en el que también están Brian Fitzpatrick (James Bucley) y Martin Lavender (Joe Thomas). ¿Por qué se titula White Gold? Porque no todo lo que brilla es oro y hace referencia al color plateado de las ventanas de PVC que venden y que en esa época era símbolo de status.

Esta primera temporada consta de seis episodios de media hora, los cuales son muy divertidos porque los personajes logran ser agradables y hacen que se nos olvide que son vendedores que están engañando a las personas para que compren lo que no necesitan. Ed Westwick logra cautivar con un personaje encantador pero cínico a la vez, a quien lo único que le importa es vender, sin importar que uno de sus clientes sea su propio amigo.

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Para mí siempre será Chuk Bass y más con su caracterización que es muy similar, así que las semejanzas serán innegables. La diferencia aquí es que su personaje no es de clase alta y tiene que hacer muchas cosas con tal de reflejar un estilo de vida que no tiene. Algo que me gustó de la serie es que en muchas ocasiones Vincent habla directamente con el espectador, lo cual provoca una mejor conexión y recuerda un poco a lo que hace Frank Underwood en House of Cards. Por cierto, Ed es británico y aquí lo escucharás hablar con su acento original sin tener que fingir como lo hizo en Gossip Girl para tener acento americano.

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Los personajes secundarios que son los miembros de su equipo de ventas, Fitzpatrick y Lavender, son los elementos indispensables que la serie necesita porque el primero es un vendedor nato que ve por sus propios intereses, mientras que el segundo es un vendedor con mucha moral que se siente mal de engañar a las personas. La serie también cuenta con personajes femeninos como la esposa de Vincent, Sam Swan (Linzey Cocker), y la secretaria del equipo de ventas, Carol (Lauren O’Rourke), que por cierto hace un excelente papel en ser demasiado torpe. Pero es justo esta torpeza que ocasiona algunas de las situaciones menos inesperadas en la trama.

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A mí en lo personal me gustó porque tiene un buen guión, no es muy larga y es entretenida. No quise escribir spoilers porque espero que la vean, se las recomiendo ampliamente. La mejor noticia es que tendrá una segunda temporada que se estrenará en el 2018, así que tienen tiempo para ponerse al corriente.

CALIFICACIÓN: 4.5/5

La primera temporada de White Gold se encuentra disponible en Netflix. ¿Ya la viste? Comparte tu opinión en los comentarios y no te pierdas más reseñas en DUPLOsite.com

Reseña de «Cómo Cortar a tu Patán» (2017)

La comedia romántica mexicana se estrenó el pasado viernes 13 de octubre.

Reseña DUPLO (libre de spoilers y con spoilers)

Uno de los géneros por los que más apuestan las casas productoras en nuestro país debido a  los ingresos en taquilla son las comedias románticas, y este fin de semana se estrenó «Cómo Cortar a tu Patán» (How to Break Up with Your Douchebag) de manera simultánea en México y Estados Unidos. La cinta dirigida por Gabriela Tagliavini (Ladies Night) tiene una buena dosis de comedia, romance y…mejor lee la reseña a continuación.

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Libre de Spoilers

No voy a mentirles, mi motivo más grande para ver esta cinta fue la actriz Mariana Treviño, quien me encanta como actúa desde que la vi en el cortometraje Busco Empleo en el 2010 y que ha aparecido en otras películas como Amor de mis amores, La Vida Inmoral de la Pareja Ideal y la serie de Netflix Club de Cuervos. Ya era hora que tuviera un protagónico en cine y qué mejor que hacerlo en una película que trata sobre una mujer llamada Amanda, quien es especialista en deshacerse de patanes.

La historia en un principio nos adentra en el mundo de Amanda con sus consejos para deshacerse de los hombres y que causan una que otra carcajada (se vale llevar su libretita y tomar notas). Después la cinta se centra en el caso especial de su hermana Natalia (Camila Sodi),  quien tiene como novio a un patán de primera (Sebastián Zurita) y que por ende nuestra especialista quiere separar a toda costa. Para lograrlo consigue la ayuda de Leo (Christopher Von Uckermann), quien es amigo de Natalia y representa un mejor partido. La última parte de la cinta es la cursi y muy chick flick, que como a media película ya es totalmente predecible y sabes en qué va a terminar.

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Una de mis mayores preocupaciones era que la chispa y gracia del personaje de Mariana Treviño en esta cinta se pareciera al de Isabel Iglesias de Club de Cuervos, así como sucede con Jaime Camil que actúa igual en todo lo que hace. Pero con Mariana no sucedió esto, quizás únicamente en la última escena. Las actuaciones de Camila Sodi, Sebastián Zurita y Christopher Von Uckermann, no son las mejores y por momentos pueden ser muy exageradas (sobre todo Zurita) pero tampoco es como que la cinta vaya a estar nominada al Ariel. Eso sí, sus personajes tienen carisma y pienso que logran conectar muy bien con el público. Me di cuenta de esto porque la señora que estaba sentada al lado de mí, se enamoró perdidamente de Leo (Uckermann) y suspiraba cuando él se ponía muy romántico en sus diálogos.

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Hay que ser conscientes que estamos ante un producto totalmente comercial que no nos va a cambiar la vida y que simplemente es para entretener, sobre todo al target femenino. La cinta a mi parecer está bien hecha para lo que es, pero algo que me disgustó fue la mala calidad de sus tomas en dron, las cuales fueron varias y se veían ¡horribles!. También esa última escena en el Amazonas se me hizo más falsa que el efecto del aire en La Rosa de Guadalupe, es obvio que no van a ir hasta allá a filmar algo de 10 segundos pero mínimo se hubieran esforzado más.

Si te gustan las comedias románticas y quieres ver algo divertido y cursi con un cast mexicano, definitivamente tienes que ver esta película porque te vas a reír. Si eras o sigues siendo fan de RBD, la vas a disfrutar todavía más.

CALIFICACIÓN: 3/5

Spoiler Alert!

Con Spoilers

Me gustó el giro que le dieron a esta chick flick porque estamos acostumbrados a ver en el cine películas en dónde la mujer quiere conseguir al hombre y aquí vemos todo lo contrario, cómo deshacerse de él. Eso sí, aunque nos presentan a una mujer que se niega a una relación y decidida a que puede ser feliz sin un hombre, finalmente termina con un hombre.

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Casi al principio de la película, Amanda va a un antro en el que está su hermana Natalia con su novio Pepe, pero ésta se va porque se pelea con él y por azares del destino Amanda liga con un hombre y se acuesta con él, sin saber que es Pepe. Él toma una selfie de ellos dos en la cama y con eso es más que predecible que el hecho de que se acostaron y que existe una foto para comprobarlo, va a ser la herramienta final para que su hermana corte con él, y sí, así es como sucede en los últimos minutos de la cinta justo en la boda de Natalia y Pepe (porque no hay mejor situación para confesarle a tu hermana que el día de su boda).

Algo que me hubiera gustado más con respecto al personaje de Natalia es que al final cuando se va al Amazonas porque nunca ha estado sin novio y quiere estar sola, la vuelven a presentar con un novio que se ligó ahí. La gente en el cine se rió, pero a mí en lo personal no me hizo gracia porque mostraron como si las mujeres fueran dependientes todo el tiempo de estar con alguien porque no saben estar solas. Hubiera estado bien que hicieran un final parecido al de How to be Single (Cómo Ser Soltera), en el que la protagonista se va sola de viaje al Gran Cañón porque era un sueño que tenía y para reencontrarse a sí misma.

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Algo que me sacó un poco de onda fue como el personaje de Christopher Von Uckermann se volvió muy romántico, cuando en un principio se mostraba apático y #AllByMyself. En verdad que era demasiada miel cuando hablaba que ni yo me la creía, salvo las mujeres de la sala que escuché a varias gritar ¡no!, ¡qué tonta!, etc, cuando Amanda lo rechazó y le dijo que no lo quería. Estoy de acuerdo en que yo no soy el target de la cinta y que justo ellas sí lograron conectar. Como quiera me divertí y me reí con varias escenas, no lo voy a negar. La verdad es que sí la volvería a ver, únicamente por Mariana Treviño. #SoySuFan

Y esa escena final en el lago de Xochimilco, fue como el final de Breakfast at Tiffany’s (Desayuno con Diamantes) a la mexicana, igual de mojados y acompañados de peces o cual especie mutada que habite en ese lago, en lugar del gato.

Recuerden que Cómo Cortar a Tu Patán ya se encuentra en cines, consulten la cartelera.

 

 

 

 

Reseña de «Cult of Chucky» (Culto a Chucky, 2017)

La séptima película de la saga del muñeco diabólico fue lanzada en Video On Demand, DVD y Blu-ray.

Spoiler Alert!

En los noventas creía que mis juguetes tenían vida, gracias a las películas Toy Story, Pequeños Guerreros y Chucky: El Muñeco Diabólico. De ésta última vi por error un fragmento en Canal 5 e hizo que pensara que algunos de mis juguetes eran malos, luego de haber quemado esos juguetes, no es cierto, luego de crecer y darme cuenta que simplemente era la idea que vendían todas esas películas de los muñecos con vida, dejé de preocuparme por eso. Aunque ahora que lo pienso, la muñeca Annabelle real sí estaba poseída. En fin, la reciente película de la saga de Chucky, que llega cuatro años después de su antecesora, reúne a personajes importantes de las tres eras y le da un nuevo giro a la historia. Lee a continuación mi reseña llena de spoilers.

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Me rehusaba un poco a ver la nueva película del muñeco diabólico porque la anterior llamada Curse of Chucky (La Maldición de Chucky), no me había gustado. A causa del morbo y la curiosidad de saber qué iba a pasar en esta entrega, decidí hacerlo y me llevé una decepción que veía venir. La trama gira en torno a Nica, quien fue culpada de las muertes cometidas por Chucky en la cinta pasada, y es ingresada al manicomio. Su psiquiátra con tal de que la terapia sea más efectiva, decide incluir un muñeco igualito a Chucky. ¿Qué puede ser peor que un muñeco Chucky? ¡Dos muñecos Chucky! Sí, así como lo lees. Tiffany, la novia del muñeco diabólico, hace su aparición en esta cinta y es quien lleva al segundo al manicomio. Como es de esperarse, los dos muñecos se convierten en el dúo diabólico y asesinan a cuantos pueden. Pero no todo se acaba ahí, ya que Andy Barclay, el niño de las primeras películas y quien ya está muy crecidito, está decidido a terminar con Chucky de una vez por todas y aporta un tercer Chucky trasquilado al culto, el cual tiene una pistola en su interior.

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Algo que pasa con las películas de Chucky es que no se toman tan en serio y tienen momentos más cómicos que de terror. El muñeco de por sí ya no se ve de plástico sino demasiado computarizado y tiene de repente gestos muy humanos que lo hacen ver extremadamente artificial, comparándolo con las primeras cintas de la saga. Una de las cosas que me causaron gracia de la cinta fue que Chucky era muy mal hablado, hacía la Britney señal, se desesperó tanto con una viejita que hablaba mucho que por eso le dijo que ella era la siguiente y la iba a matar, su mensaje «Chucky did it» en la sangre, la aparición del blog de Perez Hilton y el diálogo que tienen los muñecos con respecto a que habían cancelado la serie Hannibal, una de sus favoritas.

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Muchas escenas son predecibles y de antemano ya sabes quiénes van a morir. De hecho todos en esa sección del manicomio (salvo Nica y Andy) se mueren. Las muertes son gore, demasiado exageradas y ridículas. Algo que no me gustó fue que cada vez que Chucky iba a atacar o estaba haciendo algo malévolo había una tormenta eléctrica, muy cliché. Hay una escena en la que una paciente es decapitada por Chucky pero de una toma a otra baja como 5 kilos, su cuello se alarga y parece que hasta se hizo la bichectomía.

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Segundos antes de morir
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Milésimas de segundo antes de morir.

La cinta que parece no tener pies y cabeza, en la que no hay realmente un hilo conductor en la trama más que muertes aleatorias, finaliza en que Chucky le dice a Nica que después de haber investigado voodoo for dummies en la web, sabe ahora cómo poseer a cualquier persona o muñeco que tenga una mano para apuñalar. Es así como el espíritu de Charles Lee Ray pasa al cuerpo de Nica, quien ahora ya puede caminar y hacer crecer su culto. Para finalizar esta película con malas actuaciones y ser más inclusivos, hay un beso entre Nica y Tiffany, quien dice que un verdadero clásico nunca pasa de moda. Podría decir que Cult of Chucky es la peor de la saga (y eso es decir mucho) y quizás los fans de hueso colorado la van a apreciar más, por el amor que le tienen al personaje.

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Es más que obvio que veremos una nueva entrega de Chucky, en donde Andy tratará de eliminar a Chucky (en el cuerpo de Nica) y Tiffany.

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El actor Alex Vincent es el mismo que interpretó a Andy en la primera cinta.

CALIFICACIÓN: 1/5

Si quieres ver Cult of Chucky, puedes rentarla o comprarla en Cinépolis Klic y iTunes.

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Reseña de #REALITYHIGH (Netflix, 2017)

La comedia adolescente #REALITYHIGH es una película original de Netflix que se estrenó el 08 de septiembre.

[Libre de Spoilers]

El director mexicano nacido en Guadalajara, Fernando Lebrija, estrenó su tercer filme titulado #REALITYHIGH, el cual es su segundo largometraje en inglés y el primero con producción internacional. La cinta es protagonizada por Nesta Cooper, Keith Powers, Alicia Sanz, Jake Borelli y Kate Walsh. Lee a continuación nuestra reseña libre de spoilers en un principio y con una segunda parte (señalada) en la que sí los tiene.

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La película trata acerca de una chica llamada Dani Barnes (Nesta Cooper), quien es desaliñada y hace su servicio social en una clínica veterinaria para poder ingresar a UC Davis, la mejor universidad de veterinaria. Todo se complica cuando un día se arregla para una entrevista (¿por qué nunca se dio una manita de gato?) y llama la atención de Cameron Drake, el chico más guapo y popular de la prepa. Lo malo de esto es que la influencer latina y ex-novia de Cameron, Alexa Medina (Alicia Sanz), le hará la vida imposible a Dani. #MíoEseHombreEsMío

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Es muy claro que la cinta está dirigida al público millennial por el papel que juegan las redes sociales en la trama en cuanto a la vida estudiantil y amorosa en la era digital, lo cual es un factor bueno porque logra enganchar con las generaciones actuales y su target.  El problema con #REALITYHIGH es que es muy evidente su inspiración en la cinta Mean Girls (Chicas Pesadas) del 2004, ya que incluso hay escenas similares y sin razón alguna. Esto representa un gran error de los guionistas, porque las comparaciones no se van a hacer esperar al haber escogido una película de culto de los Millennials como lo es la protagonizada por Lindsay Lohan.

Desde el comienzo, uno puede saber en qué terminará porque es muy cliché. La chica fea que se vuelve guapa y cambia tanto en lo exterior como el interior, ahí es cuando se vuelve superficial bla, bla, bla y después de reflexionar, logra encontrarse a sí misma y aprender una gran lección. Esto lo hemos visto muchas veces en el cine y la televisión, por lo cual a veces es aburrido que no logren añadirle algo más interesante a producciones con el mismo argumento, como lo hizo Mean Girls con el increíble plot twist del burn book. La historia logra empezar con el pie derecho siendo entretenida, pero al irse desarrollando se vuelve absurda y muy tonta porque el cambio de Dani es muy repentino, de una escena a otra.

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Los actores son muy malos, sobre todo la protagonista, que incluso llegué a pensar que estaba viendo un capítulo en inglés de La Rosa de Guadalupe. Únicamente rescataría a Kate Walsh en el rol de la dueña de la veterinaria, porque cuando aparece es muy graciosa y me gustó su personaje; y el papel de la hermanita de Dani, interpretado por la actriz Leah Rose Randall, un gran ejemplo de los Centennials.

Si te gustan este tipo de películas y aún no has visto Mean Girls, seguramente vas a disfrutar mucho ésta. Si eres fan de Mean Girls, te prohibo que veas esta cinta porque te va a dar kiki, urticaria, mal del puerco, insomnio, la maldición de Moctezuma, etc. Hubiera sido una cinta muy entretenida si no hubiera intentado parecerse mucho a otra que es todo un clásico de nuestra generación o inclusive aspirar a ser el clásico de los adolescentes actuales. Es una lástima que Netflix haya producido esta cinta.

CALIFICACIÓN: 1.5/5

ADVERTENCIA: ¡Spoilers a continuación!

Ahora sí me puedo desahogar. Empezaré diciendo ¿qué onda con el amigo de la protagonista? Al principio lo presentan como si fuera el amigo gay y resulta que quiere con ella. La verdad es que esa historia de que quiere con ella nunca me la creí, aparte qué oportuno que quiera decirle que le gusta justo el día en que ella quiere salir con el chico popular, ¡tuviste todo el tiempo del mundo para decírselo! Y es obvio que como no se queda con ella al final, termina revolcándose con todo el equipo de las porristas (nada nuevo).

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La protagonista me cayó bien al principio y luego muy mal. Quien sabe qué tenía ese maquillaje que se ponía que de un día para otro e inclusive de una escena a otra, ya era muy mala y hueca. El cambio que sufre Dani se me hizo muy apresurado y sobreactuado que llegó a ser demasiado falso en pantalla (de mi lap). También nunca entendí cómo podía llegar a ser tan ingenua para caer en el juego de la villana Alexa, a quien le falta mucho para ser «Queen B» Regina George.

Hay una escena súper copia de Mean Girls y es una en la que el grupo de porristas está bailando y hay una señora, que supongo es la mamá de alguna de ellas, que está bailando también entre el público. Muuuy evidente que querían que fuera como la escena de Jingle Bell Rock y Amy Phoeler bailando con cámara en mano. Otras cosas en las que se pareció fue cuando el chavo galán batea a la protagonista porque ya no es ella misma; cuando Dani y su mejor amigo se pelean porque ella no pasó por él para ir a una fiesta donde él iba a ser el DJ.

#REALITYHIGH es una película que pasa con más pena que gloria y que fácilmente va a ser olvidada y vivirá bajo la sombra de muchas otras con el mismo argumento.

 

 

Todo lo que debes saber de «El Seductor» (The Beguiled, 2017)

El próximo 08 de septiembre se estrena en cines el nuevo largometraje de Sofia Coppola, quien ha dirigido otras cintas como «Perdidos en Tokio» (Lost in Translation) y «Las Vírgenes Suicidas» (The Virgin Suicides). «El Seductor» es una cinta sobre venganza y gracias a su trabajo en ésta, Coppola logró ganar el Premio al Mejor Director en la pasada edición del Festival de Cannes y hacer historia al ser la segunda mujer en obtenerlo. A continuación te cuento todo lo que debes saber sobre esta película de mi directora favorita.

1.- Está basada en la novela del mismo nombre, escrita por Thomas Cullinan y publicada en 1966.

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2.- La historia está ambientada en la guerra civil estadounidense y trata acerca de la llegada inesperada de un soldado herido de la unión a una escuela de niñas en Virginia, lo cual despierta una tensión sexual que conduce a rivalidades y venganza.

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3.- Esta es la segunda adaptación que se hace de la novela, ya que en 1971 se estrenó la cinta con el mismo nombre, dirigida por Don Siegel y protagonizada por Clint Eastwood, Geraldine Page y Elizabeth Hartman.

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4.- El reparto está compuesto por Colin Farrell, Nicole Kidman, Kirsten Dunst, Elle Fanning, Angourie Rice, Oona Laurence, Amy Howard y Addison Riecke.

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5.- Es la cuarta ocasión en la que Kirsten Dunst aparece en una cinta de Coppola, ya que protagonizó «Las Vírgenes Suicidas», «María Antonieta: La Reina Adolescente» (Marie Antoinette) e hizo una breve aparición como sí misma en «Ladrones de la Fama» (The Bling Ring).

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6.- La cinta tiene una duración de 93 minutos.

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7.- Sofia Coppola no quería hacer un remake, sino mostrar una versión actualizada desde el punto de vista de las mujeres y en contraposición a la del hombre.

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8.- El material de la cinta llegó a manos de Coppola en un momento de su vida en donde quería hacer una película más optimista que su filme del 2013 «Ladrones de la Fama».

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9.- «El Seductor» se filmó del 31 de octubre del 2016 al 07 de diciembre del mismo año. Las tomas exteriores se realizaron en Madewood Plantation House, cerca de Napoleonville, Luisiana, y los interiores fueron filmados en la casa de la actriz Jennifer Coolidge en Nueva Orleans.

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10.- La banda sonora está compuesta por la banda de rock Phoenix.

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11.- Su premiere mundial fue el 24 de mayo en el Festival de Cine de Cannes, en la que fue seleccionada para competir por la Palma de Oro. Coppola logró llevarse el Premio al Mejor Director y convertirse en la segunda mujer en obtener dicho reconocimiento, transcurrieron 56 años desde que ganó la primera mujer, la soviética Yuliya Solntseva por el filme «La Epopeya de los Años de Fuego» (Chronicle of Flaming Years).

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12.- Tuvo un presupuesto de 10 millones de dólares y se estrenó en Estados Unidos el pasado 23 de junio, hasta el momento ha logrado recaudar 18.9 millones de dólares en taquilla.

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13.- Sofia ha sido duramente criticada por un whitewashing en la cinta por dos cuestiones, al no incluir a una esclava negra que aparece en la novela como personaje secundario, y que la actriz blanca Kirsten Dunst interpreta a un personaje biracial. A esto, Coppola manifestó que hizo los cambios para no tocar un tema tan importante de una manera ligera y que como muchas jóvenes ven sus películas, no quería mostrarles una representación así de un personaje afroamericano.

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14.- «El Seductor» tiene 79% de aprobación y una calificación de 7.1/10 en Rotten Tomatoes.

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No te pierdas en cines la nueva cinta de Sofia Coppola a partir del 08 de septiembre. Consulta la cartelera.

 

 

 

Reseña de «Bang Gang: Una Moderna Historia de Amor»

ADVERTENCIA: ¡Contiene Spoilers!

Del 13 de enero al 13 de febrero de este 2017, se llevó a cabo de manera gratuita en México la séptima edición de «My French Film Festival», teniendo como objetivo dar visibilidad a la joven generación de cineastas franceses. De todas las cintas que estaban compitiendo, solamente una no contaba con los derechos de difusión en México y por lo tanto, no se podía reproducir en el sitio web. Ésta cinta era «Bang Gang (une histoire d’amour moderne)” de la directora Eva Husson. La distribuidora CineCANIBAL adquirió los derechos y finalmente se estrenó el día de hoy (de manera muy limitada) en algunos cines de nuestro país. Aquí les traigo mi reseña llena de juegos de botella, enredos amorosos y enfermedades de tranmisión sexual (creo que esa es una de las cosas modernas en esta historia de amor).

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El nombre de la película hace referencia al juego sexual en el que se involucran los protagonistas de esta cinta y que está basado en una historia real que ocurrió en Atlanta, donde participaron 250 jóvenes. ¿Por qué «Bang Gang»? George, la protagonista, define que es una explosión como el Big Bang y en donde participa su pandilla («Gang», término en inglés). La cinta pretende mostrar los problemas de los adolescentes de una forma moderna, pero en mi opinión, se enfoca solamente en los excesos sexuales y las consecuencias que esto puede traer.

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La película comienza con una frase de Jung: «La claridad no aparece cuando imaginamos lo claro, sino cuando tomamos consciencia de lo oscuro». Esto es el mensaje central de «Bang Gang». La historia comienza con dos amigas llamadas George (Marilyn Lima) y Laetitia (Daisy Broom), las cuales se llevan muy bien y de vez en cuando salen a divertirse con Alex (Finnegan Oldfield) y Nikita (Fred Hotier). Pero como debe haber una historia de amor (porque así lo señala el título), George se enamora de Alex y comienzan a salir. Muy poco tiempo después, Alex se muestra desinteresado y en una fiesta decide tener sexo con Laetitita, la mejor amiga. Al encontrarse en dicha fiesta y al descubrir la traición de su novio y su mejor amiga (quien era virgen hasta ese momento), George decide que todos los invitados jueguen a algo llamado Bang Gang, en el que la botella señalará a aquellas personas que deben tener besos, fajes, sexo, etc.

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Mientras estas fiestas Bang Gang suceden con frecuencia en casa de Alex, George comienza a tener un interés que es mutuo por su compañero de la escuela llamado Gabriel (Lorenzo Lefèbvre). Él es un chico tímido, retraído y que está lidiando con un problema físico de su padre. Laetitia, su vecina, lo invita a un Bang Gang y ahí es cuando surge el flechazo entre él y George. Un día George comienza a sentirse mal y al ir con la doctora le diagnostican sífilis. La noticia llega a oídos de todos los padres del colegio y a todos los alumnos los examinan porque descubren que tenían orgías. La película finaliza en que varios sí tienen enfermedades sexuales, hay un aborto y varias amistades finalizan para siempre, mientras Gabriel y George deciden comenzar su historia de amor.

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En lo personal, la película me pareció muy lenta desde el principio y tardó mucho en arrancar con el problema central. Me gustó mucho la transformación de Laetitia, que va de una chica virgen y con valores, a una chica que aprovecha su libertad para sacar lo peor de sí misma, organizando las orgías y quitándole el novio a su mejor amiga. El parecido de la actriz con la de la cinta «Voraz» es demasiado, en las escenas de sexo estaba pensando que seguramente se iba a cenar a su compañero (sí se lo estaba cenando pero en sentido figurado).

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Uno podrá pensar que los jovenes franceses están súper locos, si es que esto en verdad retrata a la juventud y que obviamente  esto no sucede en México, en el caso de las fiestas con orgías. Déjenme contarles que sí sucede en nuestro país, hubo un caso de una chica que vivía en Ciudad Victoria y que fue a la misma prepa católica que yo. Resulta que por allá del 2012, esta chica se volvió Trending Topic nacional porque en una fiesta le practicó sexo oral a más de treinta hombres. Que bueno que aún no salía esta película. Bueno, volviendo al tema, la película justamente habla de los excesos sexuales y deja un mensaje moralista de lo que puede pasar si lo llevas al límite extremo. Justamente en la cinta comentan de accidentes de trenes que se descarrilaron y es exactamente lo que sucede con estos jovenes, están totalmente descarrilados. Pero tal como lo señalaba la frase inicial, la claridad aparece cuando se toma consciencia de lo oscuro, y vaya que estaba oscuro.

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Tuve un problema con la historia de amor que señalan en el título porque para mí no hay ninguna, incluso la supuesta relación que construyen George y Gabriel en los últimos 30 minutos me pareció demasiado forzada y no les compré la idea, sobre todo en la última secuencia. Las escenas de sexo no son tan explícitas y las que sí lo son no aparecen en primer plano. Eso sí, hay varios desnudos y estos llegan a ser justificados en algunas ocasiones. Me parece que la directora fue inteligente para que no la acusaran de pretenciosa y que terminara siendo una película erótica.

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De todas las cintas que compitieron en «My French Film Festival», ésta fue una de las 3 peores. La historia no me atrapó desde el principio y eso que me gustan las películas francesas acerca de la juventud porque siempre tienen tramas originales  como «Respire» de Mélanie Laurent ó «Atomic Age» de Héléna Klotz. Lo único que podría salvar de «Bang Gang» es la banda sonora a cargo de White Sea, que inclusive transmite mucho más amor que lo que estamos viendo en pantalla, y la secuencia final de los créditos finales. En algunas partes de la cinta, la fotografía es muy bella, en especial la escena final de George y Gabriel. Si quieren ir a ver la cinta, les comento que es clasificación C, así que pubertos, no se molesten en ir.

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Recuerden que en septiembre llegara el 21º Tour de Cine Francés a nuestro país. ¡No se lo pierdan!

Calificación: 3/5

 

Todo lo que debes saber de «Baby Driver» (Baby: El Aprendiz del Crimen)

Este jueves 10 de agosto llega a las salas de cine de todo México la película «Baby Driver» (Baby: El Aprendiz del Crimen), la cual ha recibido buena aprobación por parte del público y críticas favorables que la califican como entretenida, con estilo y digna cinta del verano. A continuación te presento todo lo que debes saber de ella y no olvides verla en tu cine más cercano (o en el más lejano).

1.- «Baby Driver» es dirigida y escrita por Edgar Wright, quien ha liderado otras cintas como «Shaun of the Dead» (El Desesperar de los Muertos), «Hot Fuzz» (Hot Fuzz: Super Policías) y la grandiosa, emocionante, electrizante y una de mis cintas favoritas de todos los tiempos, «Scott Pilgrim Vs the World» (Scott Pilgrim vs. Los Ex de la Chica de sus Sueños). Si no han visto esta última les recomiendo que lo hagan, les va a encantar.

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2.- Esta comedia de acción dura 115 minutos (casi dos horas) y trata acerca de un joven llamado Baby, quien es conductor especialista en huidas y que utiliza la música como un apoyo para ser el mejor al volante. Al conocer a la chica de sus sueños ve una buena oportunidad para dejar su vida como criminal, pero se ve forzado a trabajar para el jefe de una banda criminal. Su vida, amor y libertad se verán amenazados cuando un asalto a mano armada sale mal y él deba dar la cara. ¡Que fuerte!

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Lily James y Ansel Elgort en «Baby Driver».

3.- Wright concibió la idea de «Baby Driver» en 1994 y adaptó el principio original de la cinta en el video musical «Blue Song» del grupo Mint Royale en el 2003. En éste mostró a un amante de la música y conductor que forma parte de una banda de ladrones, igual que Baby.

4.- Como dato curioso, un fragmento del video musical mencionado aparece en una de las escenas de la película cuando Baby está viendo la televisión.

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Ansel Elgort como Baby.

5.- La cinta toma su nombre de la canción «Baby Driver» de Simon & Garfunkel, aunque la historia no tiene nada que ver con la letra de dicho tema, el cual se escucha en los créditos finales.

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6.- El reparto está compuesto por Ansel Elgort (The Fault in Our Stars), Kevin Spacey (House of Cards), Lily James (Cinderella), Jon Hamm (Mad Men), Jamie Foxx (Django Unchained), Jon Bernthal (The Walking Dead) y la mexicana Eiza González (Lola: Érase una vez). ¡Viva México!

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De izquierda a derecha: Jamie Foxx, Lily James, Jon Hamm, Edgar Wright, Eiza González y Ansel Elgort.

7.- Eiza González se incorporó al reparto porque Robert Rodríguez, director que trabajó con ella en la serie «From Dusk Till Dawn», se la recomendó a Edgar Wright, ya que él quería a una joven actriz que no estuviera tan expuesta y que fuera prometedora.

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Eiza González y Jon Hamm en una escena de la cinta.

8.- Algunos actores que estuvieron en negociaciones para participar en la cinta fueron Emma Stone y Michael Douglas.

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9.- La cinta contó con un presupuesto de 34 millones de dólares y se filmó del 17 de febrero al 13 de mayo del 2016 en Atlanta, Georgia.

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10.- La música juega un papel muy importante en la cinta porque es la inspiración de Baby mientras conduce. Es por eso que Wright consultó con James Gunn, director de «Guardianes de la Galaxia Vol. 2», para garantizar que ambas películas que se estrenaron este año no presentaran las mismas canciones en su soundtrack.

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11.- Algunos de los artistas que forman parte de la banda sonora son The Beach Boys, Beck, Blur, Queen, Focus, T. Rex, Sam & Dave, Alexis Korner, Barry White, Kid Koala, Sky Ferreira y muchos más.

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12.- Su premier mundial se llevó a cabo el 11 de marzo en el evento South by Southwest en Austin, Texas y su estreno en cartelera de Estados Unidos fue el 28 de junio.

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13.- Hasta el momento, la cinta ha logrado recaudar 154.6 millones de dólares a nivel mundial y se ha convertido en la cinta de Edgar Wright que más ha logrado recaudar dentro de su filmografía.

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14.- «Baby Driver» tiene 95% de aprobación en Rotten Tomatoes y una puntuación media de 8.1/10.

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15.- Hay una aparición de Meryl Streep en la cinta, aunque no de la manera que te imaginas.

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No te pierdas «Baby Driver» (Baby: El Aprendiz del Crimen) en cines a partir de este jueves 10 de agosto y espera próximamente nuestra reseña. Consulta la cartelera de Cinépolis y Cinemex.

Reseña de «The Bold Type» (Series Premiere)

ADVERTENCIA: ¡Contiene Spoilers!

El verano significa blockbusters en las salas de cine, pero también es la estación del año en la que llegan nuevas series a la pantalla chica. Tal es el caso de «The Bold Type» del canal de televisión Freeform, que ha producido otras muy famosas como «Pretty Little Liars», «Shadowhunters» y «The Fosters». Después de haber visto los primeros cuatro episodios, aquí les traigo mi reseña llena de feminismo, dream jobs y sexo.

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La serie está inspirada en la vida de Joanna Coles, quien fuera editora de la revista Cosmopolitan del 2012 al 2016. Al ser una comedia acerca del mundo editorial, moda, amor y vida laboral, se siente una influencia de series como «GIRLS», «Sex and The City», y la cinta «The Devil Wears Prada» (El Diablo Viste a la Moda). Muchas series han querido marcar a una generación, tal como lo hizo «Sex and The City» en su momento, pero ninguna lo ha logrado y esta no parece ser la excepción, ya que a pesar de tocar temas como el sexo, no llega a profundizar mucho sobre ello. Lo cual es entendible porque el canal de televisión que la produce no es HBO, sino un canal familiar que está enfocado en su público adolescente.

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En la serie hay tres protagonistas que trabajan en la revista Scarlett. La primera de ellas es Jane Sloan (Katie Stevens), una joven que acaba de ser ascendida como escritora. La segunda es Kat Edison (Aisha Dee), la directora de social media. Y por último está Sutton Brady (Meghann Fahy), una asistente que quiere ser mucho más que eso. En los cuatro capítulos que han sido transmitidos, las tres chicas se juntan en el clóset de la revista para platicar de sus asuntos personales y laborales (porque obvio el clóset es la guarida perfecta) y se siente un ambiente como si estuvieran en su propia habitación. Una diferencia que tiene con «The Devil Wears Prada», es que la editora de la revista Scarlett llamada Jacqueline Carlyle (Melora Hardin) es buena onda y en ningún momento las trata mal. La verdad es que me parece muy irreal, porque a pesar de que las chicas hagan de repente algo mal, uno esperaría que se convirtiera en Miranda Priestly, pero no, ella siempre tiene una sonrisa de oreja a oreja y parece ser el ángel de la guarda, hasta saca a una de las protagonistas de la cárcel.

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La serie es feminista y habla del empoderamiento de la mujer, al mostrar a las protagonistas con aspiraciones laborales y que ellas pueden tomar sus propias decisiones. Claro ejemplo fue cuando el personaje de Sutton, quien había estudiado algo relacionado a finanzas, decidió que era momento de dejar su trabajo como asistente y buscar otro en el que le pagaran mejor. Sin embargo, ella en el fondo sabía que su pasión era la moda y al final decide arriesgarse por conseguir el trabajo de sus sueños, con la posibilidad de fracasar en el intento. Ese es otro punto a favor de la serie, que nos muestra mujeres arriesgadas que van en búsqueda de nuevas experiencias o que están descubriendo su sexualidad, como en el caso de Kat, quien descubre su gusto por las mujeres.

En el primer capítulo, Kat conoce a Adena El-Amin (Nikohl Boosheri) una fotógrafa musulmana lesbiana sobre la que tiene que hacer un artículo para la revista. Desde el principio comienza a sentir una fuerte atracción hacia ella y esto conlleva a que se plantée su orientación sexual, ya que siempre había estado con hombres. Freeform, el canal que produce la serie, nos ha mostrado protagonistas homosexuales en otras series como «Pretty Little Liars» y «The Fosters», haciendo que cada vez sea más común ver a una minoría representada en la pantalla chica y sobre todo en un canal para jóvenes, ¡bravo por Freeform! Otra cosa muy interesante es cuando Kat le confiesa a sus amigas que le gustan las mujeres y ellas no hacen ningún escándalo y se lo toman muy bien porque it’s not a big deal!

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Algunos de los temas sexuales (los cuales son muy recurrentes) que ha tocado la serie son: pornografía, posiciones sexuales, masturbación, orgasmo, literatura erótica, fantasías y juguetes sexuales. Quien ha abierto alguna vez alguna revista Cosmopolitan, sabrá que el sexo es el tema que más predomina en las páginas y esto parece trasladarse a esta comedia. El tema del orgasmo fue el más importante en el episodio dos, ya que a Jane le asignaron escribir acerca de ello, pero al no haber tenido alguno, le era muy difícil inspirarse. Le confesó a sus amigas que siempre fingía cuando tenía sexo con su exnovio y pensaba que probablemente algo estaba mal con su cuerpo. Debido a esto va con una sexóloga, quien le recomienda ver pornografía y utilizar un huevo Yoni (o huevo vaginal). En mi vida había visto una serie en donde sucediera esto y la verdad es que creo que le puede servir a las mujeres que crean que su cuerpo es defectuoso y a los hombres para saber qué pasa en el cuerpo de la mujer (y de paso les sea más fácil encontrar el punto G).

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¿Que si hay personajes masculinos en la serie? ¡Claro que sí! y únicamente son tres los importantes. El primero es Richard Hunter (Sam Page), quien es miembro de los directores de Scarlett Magazine, abogado del grupo editorial e interés amoroso de Sutton. Alex (Matt Ward), escritor en la revista Scarlett; y por último Ryan Decker (Dan Jeannotte), escritor de la revista Pinstripe e interés amoroso de Jane (quien por cierto, tiene un gran parecido con Andrew Tagart de The Chainsmokers). Algo que tienen los hombres en esta serie es que no causan ningún conflicto, siempre tienen los comentarios más certeros y no aparecen tanto en pantalla. Considero que esto es bueno porque no hay conflictos amorosos con las protagonistas y la trama se enfoca más en temas mucho más importantes e interesantes.

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La serie muestra problemas laborales actuales como los trolls, aquellas personas que molestan en internet y publican mensajes provocadores. En el tercer episodio, Kat publica un artículo online y comienza a recibir amenazas por parte de trolls, quienes incluso le desean la muerte. «The Bold Type» también habla sobre el racismo, lo cual es muy actual, sobre todo en Estados Unidos de donde es originaria esta serie y que hay problemas con latinos, musulmanes, etc.

Algo que me pareció muy interesante y que no había visto en alguna producción que se enfocara en moda y sexo, fue que decidieran incluir política. Obviamente una embarradita, tampoco es «House of Cards». En la serie, la editora de la revista quiere que en Scarlett se incluya política porque las mujeres actuales también quieren estar informadas sobre ello y no debe ser un tema excluido.

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La serie me gusta, será interesante ver la evolución que tienen los personajes principales y qué otros temas deciden tratar. Por ahora, todo parece ir bien y ojalá no haya dramas románticos que desvíen la historia con muchos clichés. Aún no se sabe el futuro de la serie, si será renovada o no, ojalá que sí porque es una propuesta fresca para los Millennials y es divertida. Te la recomiendo ampliamente si te gustaron «Sex and the City», «GIRLS», «The Devil Wears Prada», «Younger» y «The Carrie Diaries».

Calificación: 3.5/5

¿Ya viste The Bold Type? ¿Qué piensas sobre ella? Comparte tu opinión en los comentarios. Si no la has visto, cuéntanos si le darás una oportunidad.

 

 

 

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